tag:blogger.com,1999:blog-12018405383042006072024-02-07T19:18:14.616-08:00De cine, música... y otras yerbasAquellas pequeñas cosas que aprendí a amar a lo largo de los añosAnonymoushttp://www.blogger.com/profile/06991016512325283029noreply@blogger.comBlogger93125tag:blogger.com,1999:blog-1201840538304200607.post-43835712257678285382015-10-12T09:40:00.000-07:002015-10-12T09:40:00.474-07:00Genesis y una experiencia religiosa<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh2nbKWrcP7R28RBlpRH7_Pz55yszqwcaRkj05e3YxxCIKHnzhrHZw4gpRQwihNL-2cn7WUZDrDDtgWeFVh-sIz6eTSG8E_cm3JEs9Q6sjUSc_lQAo_T0cHdkOO78PArIj7mNMyuV5c_Gg/s1600/Selling-England-By-The-Pound1.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh2nbKWrcP7R28RBlpRH7_Pz55yszqwcaRkj05e3YxxCIKHnzhrHZw4gpRQwihNL-2cn7WUZDrDDtgWeFVh-sIz6eTSG8E_cm3JEs9Q6sjUSc_lQAo_T0cHdkOO78PArIj7mNMyuV5c_Gg/s320/Selling-England-By-The-Pound1.jpg" width="320" /></a></div>
Un día como hoy, en 1973, se edita «Selling England By The Pound», quinto álbum de estudio del grupo inglés Genesis y el mayor éxito comercial de la banda con Peter Gabriel. En castellano, el título significa "Vendiendo Inglaterra por el peso", aunque fue la propia discográfica la que tradujo incorrectamente el título por "Vendiendo Inglaterra por una libra", que es como se lo conoce hasta hoy. Muchos años después de su edición original, se convirtió en disco de oro en los Estados Unidos, en 1990.<br />
<br />
En opinión de quien esto escribe, «Selling England By The Pound» es uno de los tres mejores discos de rock progresivo jamás concebido y uno de los mejores álbumes de la historia. Una obra hermosa, colosal, sublime, sin fisuras. Posiblemente, el punto máximo del rock progresivo y sinfónico, ese género tan variado, complejo, tan rico en matices, innovador, y de tanto virtuosismo, al que Genesis supo honrar en los años '70.<br />
<br />
«Selling England By The Pound» logra una unidad perfecta y brillante, sin fallas ni excesos. No presenta extensos solos aburridos, secciones experimentales o suites innecesariamente largas. Ninguno de los instrumentistas se pierde en divagues inconducentes: simplemente se abocan a su tarea, a tocar lo que deben tocar de la manera en que lo deben hacer.<br />
<br />
Compositivamente, cada canción es una joya, cada segundo es glorioso. A cada instante hay algo nuevo, todo encaja de manera perfecta: Peter Gabriel llega a su pico como vocalista, hay baladas de piano, misteriosas flautas medievales, líneas de sintetizador bien progresivas, oscuras secciones acústicas, divertidas piezas teatrales, todo maravilloso, todo excelso... En fin, una obra maestra. Una cascada de creatividad y talento. Una experiencia religiosa.Anonymoushttp://www.blogger.com/profile/06991016512325283029noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-1201840538304200607.post-69997392397828935072015-07-23T08:49:00.000-07:002015-07-23T08:49:21.363-07:00De poetas y rockeros<b><i>A Luis Alberto Spinetta todos lo llaman poeta... Bob Dylan fue tres veces nominado al Nobel de Literatura. Se habla de la poesía de Pink Floyd, de Lou Reed, de Jim Morrison, del Indio Solari... Pero, ¿se puede considerar poema a una simple letra de rock? ¿O es que hay algún tipo de límite?</i></b><br />
<br />
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgojOK1RUOENTkW-d1DZpJNCt_pG5ZjwudaTBftA6HGgqi0slhx0p7u3cx-P_N3GuaiIHzBiElBx1ks9OWlUXeJVadYYvOpdhmEcYOayqBOAWf3pCy3bGFfwCTywIrO5v_Yrr-_w1KDt00/s1600/Bob+Dylan+001.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgojOK1RUOENTkW-d1DZpJNCt_pG5ZjwudaTBftA6HGgqi0slhx0p7u3cx-P_N3GuaiIHzBiElBx1ks9OWlUXeJVadYYvOpdhmEcYOayqBOAWf3pCy3bGFfwCTywIrO5v_Yrr-_w1KDt00/s320/Bob+Dylan+001.jpg" width="315" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Bob Dylan</td></tr>
</tbody></table>
El caso de Dylan tomó estado público cuando el profesor Gordon Ball del Instituto Militar de Virginia, Estados Unidos, llenó su formulario –como miembro que es de la Academia de Letras de Noruega– postulando a su candidato para el Nobel de Literatura del año 1996. Además, en una carta adjunta, el profesor aclaraba que Robert Zimmerman (o Bob Dylan) merece la nominación <i>“por la influencia mundial que han tenido sus canciones y su literatura”</i>.<br />
<br />
Llama la atención que tanto Dylan como Spinetta hayan asegurado que nunca quisieron ser otra cosa que músicos. Es más, el músico porteño nacido en Belgrano tuvo que aclarar en más de una oportunidad: <i>“No quiero ser la mosca blanca del rock; no pretendo ser el Borges del rock”</i>.<br />
<br />
Obviamente ellos no son los únicos que aparecen sindicados como poetas del rock. Ahí también están Jim Morrison, Lou Reed, Tom Waits. Dicen que allí habitan Kurt Cobain y Laurie Anderson, Joni Mitchell y Peter Gabriel. Y los argentinos Miguel Abuelo, Moris, Javier Martínez, el Indio Solari y hasta algunas letras de Charly García y Gustavo Ceratti...<br />
<span class="Apple-tab-span" style="white-space: pre;"> </span><br />
<i><b>“Haceme desaparecer a través de los anillos de humo de mi mente,</b></i><br />
<i><b>bajo las ruinas neblinosas del tiempo, más allá de las hojas heladas,</b></i><br />
<i><b>de los árboles encantados, aterrorizados, hacia la playa ventosa,</b></i><br />
<i><b>lejos de los tentáculos malignos de la pena loca...”</b></i><br />
(Bob Dylan, ‘Mr. Tambourine Man’)<br />
<br />
¿Simples letras de canciones o poesía musicalizada?<br />
Músicos de rock devenidos poetas. ¿Devenidos poetas?<br />
<br />
Para el poeta Juan Gelman <i>“hay varias cuestiones: una, cuando se musicaliza un poema, otra es cuando la letra se construye después de la música. Por ejemplo, Jim Morrison escribía poemas y también escribía canciones. Y algunos de los poemas los musicalizaba. Escribiendo poesía</i> –dice Gelman–, <i>Morrison era un poeta”</i>.<br />
<br />
En su libro <i>La poesía del rock</i>, el periodista marplatense Marcelo Gobello asegura que cada día más las letras de las canciones son vistas de otro modo: <i>“De hecho</i> –afirma Gobello– <i>ya se convirtieron en materia de estudio en las universidades de letras de los Estados Unidos y Europa. Por otro lado, las nuevas generaciones consumen poesía a través del rock”</i>.<br />
<br />
Por otra parte, alguien dijo que las verdades reveladas no se explican. Que están hechas para ser copiadas en agendas, en paredes, en hojas sueltas que muy pronto se extraviarán para siempre. ¿Será que con las canciones pasa como con los poemas? ¿Será que en una canción cada uno entiende lo que puede, lo que quiere o lo que tiene?<br />
<br />
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi7QUI5_okdK1S0OcQRXCezNgg6omOIhKZe1X-CwRW4rHJ6jS6bHRn4zx49Ugr73ttXm3Cs6n2S704f-r39A26Fkyklti2-5_kxqdr-yKfe8apbtr9lWfPxPet_MC3MIo-58CtbSHFr2Z8/s1600/Indio+Solari+001.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi7QUI5_okdK1S0OcQRXCezNgg6omOIhKZe1X-CwRW4rHJ6jS6bHRn4zx49Ugr73ttXm3Cs6n2S704f-r39A26Fkyklti2-5_kxqdr-yKfe8apbtr9lWfPxPet_MC3MIo-58CtbSHFr2Z8/s320/Indio+Solari+001.jpg" width="294" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Indio Solari</td></tr>
</tbody></table>
No es novedad que a Carlos Solari, el Indio de los Redonditos de Ricota, le molesta explicar las letras que escribe. En una nota para el diario Clarín, en 1997, decía Solari: <i>“Los chicos saben de qué se trata. La letra es aquello que hace envejecer a una canción. Cuanto más poder enigmático, menos rápido envejecen”</i>.<br />
<br />
Para el poeta Daniel Helder, del Diario de Poesía, existen diferencias. <i>“No veo muchos problemas para considerar una letra de canción como un poema. Sin embargo, las veces que lo hago son más bien pocas. Por lo general, ocurre que una letra tiene pasajes de poeticidad muy elevados, pero nunca se puede estar seguro si esa altura la alcanzan las palabras por sí mismas o sólo con ayuda de la melodía”</i>.<br />
<br />
Helder pone como ejemplo a los Redondos y dice que <i>“cuando los Redondos ponen ‘a brillar, mi amor, vamos a brillar’, es obvio que si la simpleza de la frase de Solari se vuelve tan rendidora no es por un mérito puramente intrínseco a las palabras, sino por la apoyatura de la frase musical de Belinson”</i>.<br />
<br />
Si uno comparte aquello que el personaje que encarnaba Robin Williams les enseñaba a los alumnos de la “Sociedad de los Poetas Muertos”, es verdad entonces que la poesía precisa de un tiempo de lectura poético, de relectura, de saborear las palabras. De un tiempo que haga hundirse al lector en el texto que está leyendo. Las canciones tienen, por el contrario, un tiempo determinado desde antes. Lo que puede suponer cierta tendencia a la frase efectista.<br />
<br />
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgWE79cRFMOjViP_l6sfmkkvSm_KJmHohzID2Gz6uRWnlQJ_jSuOsRBpeoqK_LBvrql-C3Qwa4K3Na7Xuk7GORs54VaFCrhklUeZCFO8j4fiZa5BvJGm7Scb_2CVciTqS9wOWZ4l6FdHLM/s1600/Peter+Gabriel+001.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgWE79cRFMOjViP_l6sfmkkvSm_KJmHohzID2Gz6uRWnlQJ_jSuOsRBpeoqK_LBvrql-C3Qwa4K3Na7Xuk7GORs54VaFCrhklUeZCFO8j4fiZa5BvJGm7Scb_2CVciTqS9wOWZ4l6FdHLM/s320/Peter+Gabriel+001.jpg" width="318" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Peter Gabriel</td></tr>
</tbody></table>
Algunos músicos –justamente aquellos que huyen de las frases efectistas– suelen tomarse su tiempo para plasmar la letra y parecen escapar, si es que lo hay, al límite entre letra y poesía. En esa obra magnífica que fue <i>The Lamb lies down on Broadway</i> (El cordero yace en Broadway), editado por el grupo británico Genesis en 1974, Peter Gabriel escribía:<br />
<br />
<b><i>“En el brillo de una luz,</i></b><br />
<b><i>veo una especie de extraña visión,</i></b><br />
<b><i>con jaulas unidas para formar una estrella.</i></b><br />
<b><i>Las personas no pueden ir muy lejos</i></b><br />
<b><i>todas atadas a sus cosas</i></b><br />
<b><i>amarradas por sus cuerdas</i></b><br />
<b><i>libres para revolotear en el recuerdo </i></b><br />
<b><i>de sus desgastadas alas...”</i></b><br />
(Peter Gabriel, ‘In the Cage’)<br />
<br />
Daniel Helder hace otra observación: <i>“El poema del poeta, en el libro de poemas, debe reponer de algún modo ese factor ausente que es la música de la canción, y debe hacerlo con sus propios medios: la música verbal. Esta música verbal, justamente, es lo que falta en las letras de canción, cosa que salta a la vista cuando las leemos en el cuadernillo del compact”</i>.<br />
<br />
Pero esta afirmación puede, en algunos casos, presentar excepciones. Y si no, vale la pena leer este fragmento de "Stairway to heaven", la poesía / canción del grupo británico Led Zeppelin, cuya autoría pertenece a Robert Plant y Jimmy Page:<br />
<br />
<b><i>(...) Y se dice en susurros que pronto, </i></b><br />
<b><i>si todos nosotros decimos la melodía,</i></b><br />
<b><i>entonces el gaitero nos guiará a la razón.</i></b><br />
<b><i>y un nuevo día nacerá para aquellos que aguantan,</i></b><br />
<b><i>y el bosque devolverá un eco con carcajadas.</i></b><br />
<b><i>Si hay ajetreo en tu seto,</i></b><br />
<b><i>no te alarmes,</i></b><br />
<b><i>es solo la limpieza de primavera por la Reina de Mayo</i></b><br />
<b><i>Sí, hay dos caminos por los que que puedes ir,</i></b><br />
<b><i>pero a la larga,</i></b><br />
<b><i>todavía hay tiempo para cambiar el camino en el que estás.</i></b><br />
<b><i><br /></i></b>
<b><i>...y hace que me pregunte</i></b><br />
<b><i><br /></i></b>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhnoeky9ErECXOsEyuyEEPbTUl_Qxxc9r0_ZIX69u8MYSMZj1QVJ6qtuIMxYk_NQhA51-ORHkalCX8omow-a2zyLsY3rVdrrLfhVeuQMU2Cn36GbwzvCGpH-9ghP5dqRhpIw0A33PX45XQ/s1600/Led+Zeppelin+002.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="250" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhnoeky9ErECXOsEyuyEEPbTUl_Qxxc9r0_ZIX69u8MYSMZj1QVJ6qtuIMxYk_NQhA51-ORHkalCX8omow-a2zyLsY3rVdrrLfhVeuQMU2Cn36GbwzvCGpH-9ghP5dqRhpIw0A33PX45XQ/s320/Led+Zeppelin+002.jpg" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Robert Plant y Jimmy Page</td></tr>
</tbody></table>
<b><i>Hay un zumbido en tu cabeza y </i></b><br />
<b><i>y no se irá, porque no sabes</i></b><br />
<b><i>que el gaitero te está llamando para que te unas a él,</i></b><br />
<b><i>querida dama, no puedes oír el soplido del viento,</i></b><br />
<b><i>y ¿sabías que tu escalera se apoya en el susurrante viento?</i></b><br />
<b><i><br /></i></b>
<b><i>Y mientras nosotros seguimos bajando por el camino,</i></b><br />
<b><i>nuestras sombras son más grandes que nuestras almas,</i></b><br />
<b><i>camina una dama a la que todos conocemos,</i></b><br />
<b><i>que brilla con luz blanca y quiere mostrar</i></b><br />
<b><i>como todavía todo se convierte en oro,</i></b><br />
<b><i>y si escuchas muy atento,</i></b><br />
<b><i>la melodía vendrá al fin a ti,</i></b><br />
<b><i>cuando todos sean uno y uno sean todo,</i></b><br />
<b><i>ser una piedra y no rodar.</i></b><br />
<br />
Bob Dylan es un caso paradigmático a nivel mundial. Sus letras, para mucha gente, son poemas que, incluso, aventajarían en las páginas de cualquier antología poética a los poemas de sus contemporáneos: los poetas beatniks. Y como contrapartida, muchos de los que escucharon alguna grabación de los recitales poéticos de Dylan Thomas (el poeta galés del que Bob tomó prestado el nombre) afirman que dichos recitales reclaman un lugar en todas las discotecas.<br />
<br />
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiorQFkFwbqMLvNk2NRVnoDmV6PL1UwyjNgiBF6-OBW06RMnDUvboN9oUNhvLtJfj9EIK0iVGe1vEVlgxdZgrd2JgC7KiUIjxFbb_OsEtS84AHUv_d-_ohKCtT-T3mgjk8ab4prNXF2Zo8/s1600/Luis+Alberto+Spinetta+001.JPG" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiorQFkFwbqMLvNk2NRVnoDmV6PL1UwyjNgiBF6-OBW06RMnDUvboN9oUNhvLtJfj9EIK0iVGe1vEVlgxdZgrd2JgC7KiUIjxFbb_OsEtS84AHUv_d-_ohKCtT-T3mgjk8ab4prNXF2Zo8/s320/Luis+Alberto+Spinetta+001.JPG" width="212" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Luis Alberto Spinetta</td></tr>
</tbody></table>
En la Argentina, el mismo caso que se da con Bob Dylan se presenta con Luis Alberto Spinetta. Quién, muy a pesar suyo como ya vimos, tiene ganado un lugar entre los mejores poetas argentinos. Además, tanto Dylan como Spinetta se dejaron tentar por la tinta y el papel y han editado sendos libros de poesía. El norteamericano lo hizo en 1966 con un libro llamado <i>Tarántula</i> y el argentino, en 1978, con un trabajo al que tituló <i>Guitarra Negra</i>.<br />
<br />
Para el final, unas palabras de Juan Gelman: <i>“A la hora de la creación, hay una diferencia porque hay lógicas distintas: no es lo mismo tener que depender de una música que tener que depender de la palabra. Esto no lo hacen ni mejores ni peores. De hecho, hay poemas que poco tienen que ver con la poesía y hay canciones que, incluso sin música, son verdaderos poemas”</i>.<br />
<br />
Demás está aclarar que los extractos de las letras y las canciones elegidas no son más que una muestra arbitraria de ese límite difuso entre letras de rock y poesía. Podríamos hablar una semana entera sobre cuanto se acercan y cuanto se alejan unas de otras y podríamos discutir sobre todas las respuestas que hallemos.<br />
<br />
<b><i>“No somos más que dos almas perdidas</i></b><br />
<b><i>navegando en una pecera</i></b><br />
<b><i>año tras año, corriendo siempre sobre el mismo terreno,</i></b><br />
<b><i>¿qué hemos encontrado?</i></b><br />
<b><i>Los mismos temores de siempre.</i></b><br />
<b><i>Me gustaría que estuvieras aquí...”</i></b><br />
(Roger Waters, ‘Wish you were here’)Anonymoushttp://www.blogger.com/profile/06991016512325283029noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-1201840538304200607.post-74516197822301440132015-04-06T17:42:00.000-07:002015-04-06T17:42:25.496-07:00EL FRANKENSTEIN DE LA UNIVERSAL (II): Cuando segundas partes fueron buenas<br />
<b><i>Al igual que sucediera con Drácula y la Momia, la Universal decidió explotar al máximo el éxito obtenido por su primera película sobre el Monstruo y produjo otras cintas basadas en este personaje, algunas de las cuales tienen igual o mayor calidad que el primer título. Sin duda, este es el caso de “The Bride of Frankenstein”, segundo film de la saga.</i></b><br />
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi-Qj5krucn23tQqPYsvR2LMh7_IWIGm0Rol0V3r6wdgSeJuflPFzoZdbixkc82JenG1ngNzLSriCnylPDS1D8JvPgrPkdpl6f3XiqjeYTX0JnMx7ByMrXVQiSbULZktCUtgttSSew_bCk/s1600/The+bride+of+Frankenstein+05.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi-Qj5krucn23tQqPYsvR2LMh7_IWIGm0Rol0V3r6wdgSeJuflPFzoZdbixkc82JenG1ngNzLSriCnylPDS1D8JvPgrPkdpl6f3XiqjeYTX0JnMx7ByMrXVQiSbULZktCUtgttSSew_bCk/s1600/The+bride+of+Frankenstein+05.jpg" height="320" width="215" /></a></div>
La más rara de las sorpresas: una secuela superior al original, rodada cuando la asimilación por parte del público entre el Monstruo y su creador ya era total. El propio título así lo demuestra: quien debía casarse era el humanoide y no el científico que lo había creado. Dirigida por James Whale en 1935 y nuevamente con Boris Karloff como el Monstruo, es la obra maestra del director y, a mi juicio, la mejor recreación del personaje de Shelley hecha hasta hoy. Jamás se ha humanizado más al Monstruo, nunca la serie alcanzó mayor fuerza poética ni una atmósfera más delirante.<br />
<br />
En <i>The Bride of Frankenstein</i> (La Novia de Frankenstein), al lado de un cada vez más atormentado Colin Clive, encontramos a un Karloff en lo mejor de su caracterización y a toda una serie de personajes secundarios particularmente atractivos, como el doctor Pretorius (interpretado por el inigualable Ernest Thesiger) o la criatura femenina que encarna Elsa Lanchester (con un peinado que pasó merecidamente a la historia del cine). La creación del personaje de Elsa Lanchester alcanza momentos sublimes y para medir la altura de su trabajo basta un solo comentario: ella será para siempre la Novia de Frankenstein. ¿Y qué decir del doctor Pretorius? Con él asistimos, sin duda, a la aparición de uno de los mejores “sabios locos” que ha dado el cine.<br />
<br />
Whale maneja la cámara en forma irreprochable. Los personajes, los decorados, un clímax increíblemente emocionante, todos los elementos de la película confluyen en una perceptible elegancia. Bajo la mirada de Whale, el laboratorio del doctor vuelve a transformarse en un mundo bellísimo, nuevo. Y nos propone, además, una seria reflexión acerca de los misterios de la vida y de la muerte, sobre el eterno problema de la creación.<br />
<br />
<b><i>Y Frankenstein creó a la mujer...</i></b><br />
<span class="Apple-tab-span" style="white-space: pre;"> </span><br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgA0hdHmUF_Fcz3POf-zk-I2iyZ4cMyUPmYKldl6EabVExUme3p8HoOWnO3OMxJ-VgB0DoblT2znYZv40wWeu1Y0mbRatHajDUHKg1My5NNtyl8WGDkH80MDVakCOR3OlBJGn1WRsTQrnA/s1600/The+bride+of+Frankenstein+1935_015.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgA0hdHmUF_Fcz3POf-zk-I2iyZ4cMyUPmYKldl6EabVExUme3p8HoOWnO3OMxJ-VgB0DoblT2znYZv40wWeu1Y0mbRatHajDUHKg1My5NNtyl8WGDkH80MDVakCOR3OlBJGn1WRsTQrnA/s1600/The+bride+of+Frankenstein+1935_015.jpg" height="247" width="320" /></a></div>
El “final feliz” insertado por Whale en <i>Frankenstein </i>permitió que Colin Clive retomara su papel en la segunda parte, que empieza allí donde terminó la primera película, en el molino en llamas. El Monstruo ha caído en el estanque del molino, pero sale de él, mata al padre y a la madre de la niña a la que ahogo en el primer film y vuelve a vagar por los campos. El retorcido doctor Pretorius, pervertidor por naturaleza, empuja al atormentado doctor Frankenstein a repetir su experimento. Cuando Henry se echa atrás, Pretorius (que se ha aliado con el Monstruo) secuestra a Elizabeth (interpretada ahora por Valerie Hobson) y le chantajea para obtener su cooperación. Una vez con vida, la nueva creación del doctor rechaza los embates amorosos del Monstruo y provoca su incontenible furia destructiva.<br />
<br />
El guión de <i>The Bride of...</i> recurre a la novela de Shelley en busca de inspiración para muchas de sus mejores escenas. Contra lo que suele creerse, el Monstruo de Frankenstein no es un ciego robot criminal, sino un ser que sufre por su incompleta humanidad y por el hecho de sentirse rechazado a causa de su aspecto. Esta visión del personaje proviene de la novela original y, de hecho, la idea de que el Monstruo exija una compañera también está presente en el libro, pero el Víctor Frankenstein de la novela no se atreve a dar vida a la hembra y termina despedazándola. A partir de la rebelión del Monstruo, <i>The Bride of...</i> da muestras de una fantasía delirante y muy superior a su antecesor. En una, por ejemplo, y recurriendo otra vez a la novela, la criatura establece una relación con un ermitaño ciego, quien cobija al Monstruo en su cabaña y éste se extasía escuchando el violín. Pura maravilla.<br />
<br />
Whale combinó todas estas escenas con material nuevo y dio forma a su extraño cuento de hadas con sofisticación y un agudo ingenio, llevándolo poco a poco hasta un clímax (la escena de la creación de la novia) que sigue siendo una obra maestra total y absoluta de fotografía, iluminación y montaje. La secuencia de la creación de la mujer de Frankenstein es, además, mucho más espectacular que la de éste en el primer film: los aparatos mecánicos, complicados y vistosos, crean hermosos juegos de luces artificiales la noche de la tempestad.<br />
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhm3OQf62rtQNw_2GmxngMKjJdwbKP7GT284k7XlpRTM4L3_YFXBdiK3XsEVjVMDzlTUNcEn45MxxZOOQ7ELJO9CfQi6Qi2LqhahCo2I98A25VaqA27U0innT9y41autoJ0P7oyg7J3ZBc/s1600/The+bride+of+Frankenstein+1935_020.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhm3OQf62rtQNw_2GmxngMKjJdwbKP7GT284k7XlpRTM4L3_YFXBdiK3XsEVjVMDzlTUNcEn45MxxZOOQ7ELJO9CfQi6Qi2LqhahCo2I98A25VaqA27U0innT9y41autoJ0P7oyg7J3ZBc/s1600/The+bride+of+Frankenstein+1935_020.jpg" height="248" width="320" /></a></div>
En el film, el Monstruo de Frankenstein tiene un rol mucho más protagónico. Además, bebe vino, fuma y, aunque Karloff siempre se mostró en contra de que su personaje articulara una palabra, aprende a hablar. Claro que si lo comparamos con la discurseante criatura de Shelley (<i>“Recuerda que soy tu criatura; debería ser tu Adán, pero me parezco más al Angel caído, al que expulsas de la alegría sin que haya hecho nada malo”</i>), el Monstruo de Karloff tiene un lenguaje más bien tarzanesco (<i>“Comida... ¡Buena!”</i>).<br />
<br />
<i>The Bride of Frankenstein</i> ha obtenido con toda justicia un lugar no sólo entre las grandes películas de terror, sino entre las grandes películas yanquis de todos los tiempos. El film es una de las rarezas más macabras, increíbles e ingeniosas del género, con momentos memorables como las patéticas escenas del Monstruo con el ciego o aquella donde es rechazado con un siseo lleno de odio por su Novia. Tanto es el patetismo que se desprende de ellas que uno olvida que buena parte de la película muestra al Monstruo en su faceta más irracional y sedienta de sangre.<br />
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<b>FICHA TÉCNICA</b><br />
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<b>Título original:</b> The Bride of Frankenstein (Estados Unidos, 1935)<br />
<b>Producción:</b> Carl Laemmle Jr. para Universal Pictures.<br />
<b>Director:</b> James Whale. <b>Guión:</b> William Hurlburt y John Balderston.<br />
<b>Fotografía:</b> Arthur Edeson. <b>Maquillaje:</b> Jack Pierce.<br />
<b>Duración:</b> 70 minutos (en blanco y negro).<br />
<b>Intérpretes:</b> Colin Clive (Herbert von Frankenstein), Boris Karloff (La criatura),<br />
Valerie Hobson (Elizabeth), Elsa Lanchester (la Novia), Ernest Thesiger (Doctor Pretorius),<br />
Dwight Frye (Fritz), O. P. Heggie (El ermitaño).<br />
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Anonymoushttp://www.blogger.com/profile/06991016512325283029noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-1201840538304200607.post-81626866860178308132015-01-26T07:38:00.000-08:002015-01-26T07:38:11.275-08:00Hoy leí las noticias...<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjjkg-NXzzyq85a7XrCl8rZY_ouByrfYcXEA049t5SbV03FT5YLKObWgqygE022GiJYKhsZmLCyk9COeiDbRCgQUe4ni-SCwgS-kdQMwgfGZ4u2K6XnQBkHRTyBsbTP1BuApTqofEWE5lI/s1600/Pink+Floyd+The+Wall+043.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjjkg-NXzzyq85a7XrCl8rZY_ouByrfYcXEA049t5SbV03FT5YLKObWgqygE022GiJYKhsZmLCyk9COeiDbRCgQUe4ni-SCwgS-kdQMwgfGZ4u2K6XnQBkHRTyBsbTP1BuApTqofEWE5lI/s1600/Pink+Floyd+The+Wall+043.jpg" height="320" width="265" /></a></div>
Hoy leí en los diarios que en alguna parte del mundo han asesinado a cien niños y han despedazado muchos más en pocos días de bombardeos. No lo he leído con palabras tan duras. La prensa siempre cuida de no herir la sensibilidad de las personas civilizadas como nosotros. Pero igual me pregunto, mientras tomo apaciblemente mi café de la mañana, ¿qué clase de bestia humana pudo haber perpetrado esta obra?<br />
<br />
Hoy leí en los diarios que esa masacre ha sido sólo un error, otro efecto colateral, como dicen siempre. Pienso entonces que hubo alguna desinteligencia entre las “bombas inteligentes”, porque nuestro mundo occidental civilizado no comete barbaries como en otras partes del mundo y en otros tiempos, como en alguno de esos reinos bárbaros donde las mujeres visten de más como en Asia o visten de menos como en África.<br />
<br />
Y no puedo dejar de preguntarme, ¿sobre qué derechos se podría perpetuar semejantes crímenes? ¿Qué dios podría justificar tanto dolor y tanta injusticia? Porque, ¿no es una injusticia cien niños aplastados y despedazados por la Libertad, la Civilización, la Ley, el Derecho y las mejores Razones? Pero los diarios no me dieron ninguna respuesta.<br />
<br />
Hoy leí en los diarios que esta acción es “menor”, porque el “plato fuerte” en la zona –entendida en forma amplia–, es con Irán, y con Siria. Que estuvieron a un suspiro de ser bombardeados e invadidos cuando los civilizados de occidente idearon “Irak 2003”. Frente al gran escenario, lo demás es un aperitivo.<br />
<br />
Hoy leí en los diarios que todos quieren paz, y cualquier intento para obtenerla ha fracasado. Porque la paz no es sólo “alto el fuego”. Para este fracaso, se cruzan objetivos externos varios. El agua, las vías, el territorio, la militarización de un estado para patrullar la zona, el petróleo, todo imbricado en un escenario donde la voluntad política paga dos pesos. Frente a lo cual un solo gobierno es el único que tiene el “manual” de conducta exterior, y conoce perfectamente bien sus objetivos.<br />
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<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhKxvXJvwLXcbwVngNIM5vuIKq6pMKOCyczirv_OSfuxu77AW-bWEKjH9q-IE-TyB16t7B4YE7DZDXx-4GbU1uJ4LkgD6rV3g9ZBatSC-XqAEM92GqMXKyYKIgP8yGwP74WXUOTmIHEurA/s1600/Gaza+001.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhKxvXJvwLXcbwVngNIM5vuIKq6pMKOCyczirv_OSfuxu77AW-bWEKjH9q-IE-TyB16t7B4YE7DZDXx-4GbU1uJ4LkgD6rV3g9ZBatSC-XqAEM92GqMXKyYKIgP8yGwP74WXUOTmIHEurA/s1600/Gaza+001.jpg" height="188" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Gaza. Ataque de la OTAN a una escuela en Palestina.</td></tr>
</tbody></table>
Hoy leí en los diarios que hay Cascos Azules de la ONU en Congo, en Haití y en otros lugares. Me pregunto (mientras continúo saboreando mi café) por qué la ONU no tiene presencia en Gaza ya que claramente tiene la obligación de actuar en este caso. Pero los diarios no me dan la respuesta. No explican que, para que la ONU actúe, debería primero democratizarse y desterrar para siempre esa arbitrariedad llamada “Derecho a Veto” que –por supuesto– sólo tienen los cinco miembros permanentes del Consejo de Seguridad. Me pregunto cuáles son los efectos prácticos que se desprenden de los documentos de la ONU.<br />
<br />
Mientras terminaba mi café me pregunté si el bombardeo informativo nos está convirtiendo en estatuas o es que nunca nos importó el otro, ese que vive fuera de nuestro metro cuadrado. También me pregunté como romper el círculo que atrapa a la humanidad en la violencia, la destrucción y la muerte.<br />
<br />
Pero se ve que esto último son sólo ideas mías, porque los diarios no me dieron ninguna respuesta.<br />
Anonymoushttp://www.blogger.com/profile/06991016512325283029noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-1201840538304200607.post-18760109003885871512015-01-16T09:50:00.003-08:002015-01-16T09:50:54.564-08:00John Carpenter: El nombre del terror...<br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgVD_5IDCD72AUnKLqnTpX-aikmF9MfUc4-8iNe86GQPbB5RlZemVwHp5cz05B-DlgnvXHiwuWpQcnMOnSdgSn2WiKtaFIT-MNPFenWj6zPktZqvYrxofrv9agcSEyS4NlYYnfuYUcR7YY/s1600/John+Carpenter+004.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgVD_5IDCD72AUnKLqnTpX-aikmF9MfUc4-8iNe86GQPbB5RlZemVwHp5cz05B-DlgnvXHiwuWpQcnMOnSdgSn2WiKtaFIT-MNPFenWj6zPktZqvYrxofrv9agcSEyS4NlYYnfuYUcR7YY/s1600/John+Carpenter+004.jpg" height="170" width="400" /></a></div>
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Un día como hoy, en 1948, nace en Nueva York John Carpenter, director de cine, guionista y compositor de bandas sonoras, uno de los grandes maestros del cine de terror de los años '80 y '90 y el único director que desde hace más de 35 años me hace saltar de la butaca.<br />
<i>Halloween</i> (Noche de brujas, 1978), <i>The fog</i> (La niebla, 1980), <i>The thing</i> (La cosa, 1982), <i>Christine</i> (1983), <i>Prince of darkness</i> (Príncipe de las tinieblas, 1987), <i>They live</i> (Viven, 1988), <i>Village of the damned</i> (El pueblo de los malditos, 1995), <i>In the mouth of madness</i> (En la boca del miedo, 1995), <i>Vampires</i> (Vampiros, 1998) y <i>The ward</i> (2010) resultan films imprescindibles para los amantes del género.<br />
Anonymoushttp://www.blogger.com/profile/06991016512325283029noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-1201840538304200607.post-33929390931693052092015-01-09T09:07:00.000-08:002015-01-09T09:07:10.151-08:00Joan Baez, gracias a la vida...<br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEggByxlNk1g6-RG0CTSROxlCvx1hFU-8rpE1bXl0Fg7O3-t1VZsoC0HE69zweiIxtVtiHSjwi-jR9GpVp1Z8Y7OhcS24r0Ii-OP3sA7ujcyNhEpekX2LzkCaqMa0GAqyuzhvx0QDZJgBEY/s1600/Joan+Baez+006.png" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEggByxlNk1g6-RG0CTSROxlCvx1hFU-8rpE1bXl0Fg7O3-t1VZsoC0HE69zweiIxtVtiHSjwi-jR9GpVp1Z8Y7OhcS24r0Ii-OP3sA7ujcyNhEpekX2LzkCaqMa0GAqyuzhvx0QDZJgBEY/s1600/Joan+Baez+006.png" height="320" width="253" /></a></div>
Joan Báez es una artista que puso su música a favor de los derechos humanos. En 1963 participó de la Marcha sobre Washington por los derechos civiles junto a Martin Luther King. Daba recitales en prisiones y, como los afroamericanos no podían ir a los teatros de los blancos, Joan fue a cantar a sus teatros. Luchó en contra de la guerra de Vietnam y a favor de los derechos civiles. Por negarse a pagar el 60% de los impuestos que consideraba se usaban en esa guerra, fue encarcelada varias veces y vigilada por el FBI durante décadas. Donaba una gran parte de lo que ganaba en apoyar a organizaciones por los derechos civiles y la no-violencia.<br />
<br />
Participó de los míticos festivales de Woodstock y de la Isla de Wight. Compuso junto a Ennio Morricone la música y letra de la banda sonora de la película "Sacco y Vanzetti", cuyo tema principal -"Here´s to You" (Esto es para Usted)- se convirtió en un éxito mundial. En diciembre de 1972, en misión humanitaria, llevó a Hanoi (Vietnam del Norte) cartas y regalos a los prisioneros de guerra estadounidenses, y soportó lo que fue el peor bombardeo de toda la guerra: el que el entonces presidente Nixon decidió arrojar sobre el pueblo vietnamita el día de Navidad. A su regreso editó "Where are you now, my son?", con grabaciones hechas en Hanói en los refugios antiaéreos y en las calles después de los bombardeos, uno de sus discos más conmovedores.<br />
<br />
Con apenas 22 años fundó el Instituto para el Estudio de la No-Violencia, siguiendo las enseñanzas de Mahatma Gandhi. En 1974 grabó -en castellano- el disco "Gracias a la Vida", como homenaje a las víctimas del dictador chileno Augusto Pinochet, quien acababa de dar un sangriento golpe de estado en Chile. Realizó su primera gira latinoamericana en 1974 y aprovechó sus conferencias de prensa para denunciar la situación de Chile, difundir el trabajo de la organización de derechos humanos Amnistía Internacional, de la cual forma parte, y la importancia de la lucha no-violenta.<br />
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En 1973 realizó dos conciertos en el Luna Park con llenos completos, donde cantó junto a Mercedes Sosa, y concedió una entrevista a la famosa revista "Crisis" dirigida por el escritor uruguayo Eduardo Galeano. Años más tarde, creó Humanitas, organización internacional pro Derechos humanos. En 1981, viajó a Latinoamérica en nombre de Humanitas, a darle su apoyo a los pueblos oprimidos por las dictaduras. En Argentina la dictadura de Videla puso bombas en el hotel donde se hospedaba, la siguieron de día y de noche y le prohibieron presentarse en vivo. Joan recién pudo regresar a América Latina el año pasado, en una gira que la trajo a Buenos Aires en el mes de marzo y que le permitió visitar también Chile y Uruguay.<br />
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Gracias a la vida, hoy, Joan cumple 73 años<br />
Y gracias a vos, Joan...<br />
Anonymoushttp://www.blogger.com/profile/06991016512325283029noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-1201840538304200607.post-11861339450971583632014-12-21T10:54:00.001-08:002014-12-21T10:58:32.533-08:00Cine 2015: más sagas y secuelas<br />
Nuevamente, el 2015 estará repleto de grandes estrenos, secuelas, sagas y conclusión de franquicias. En este sentido, los films basados en comics, de aventuras y los de ciencia-ficción ocupan los lugares primordiales entre los más esperados del año. Estos son algunos de ellos.<br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhNGJGOeA2XvonZqQNRoHE78UavLHLc4gEAD-TKl65136cEjpLFPkM3YSndmrYvGmVgjw0lnyr04QSFQuP4dFhkJ8D5EQ2GQLtTKWnyMdyiaOHDRFUTcFSAyFqTOWrzrp-0MDZVGFAVWYg/s1600/movies-2015-01.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhNGJGOeA2XvonZqQNRoHE78UavLHLc4gEAD-TKl65136cEjpLFPkM3YSndmrYvGmVgjw0lnyr04QSFQuP4dFhkJ8D5EQ2GQLtTKWnyMdyiaOHDRFUTcFSAyFqTOWrzrp-0MDZVGFAVWYg/s1600/movies-2015-01.jpg" height="320" width="320" /></a></div>
"Ant-Man" es la adaptación del superhéroe del primer comic de Marvel, publicado en 1962. Armado con la asombrosa capacidad de reducir su tamaño a la vez que aumenta su fuerza, el estafador Scott Lang (Paul Rudd) debe sacar a relucir al héroe que lleva dentro y ayudar a su mentor, el Dr. Hank Pym (Michael Douglas), a proteger de una nueva generación de amenazas su secreto.<br />
<br />
Marvel Studios también presentará en 2015 la esperada secuela de "The Avengers" (Los Vengadores), cuando el director Joss Whedos de a conocer al mundo "The Avengers: Age of Ultron". Robert Downey Jr. (Iron Man), Chris Evans (Capitán América), Chris Hemsworth (Thor), Mark Ruffalo (Hulk), Scarlett Johansson (Black Widow), Jeremy Renner (Eyehawck), Samuel Jackson (Nick Fury) y Cobie Smulders (la agente de S.H.I.E.L.D. María Hill), conforman el equipo de súper héroes que deberá unir fuerzas para derrotar a Ultrón, un aterrador villano tecnológico que aspira a exterminar a la raza humana y que será interpretado por James Spader.<br />
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"Star Wars: Episodio VII", será el inicio de una nueva trilogía de la franquicia creada en los años '70 por George Lucas. Dirigida por J.J. Abrams (creador de las exitosas series Lost y Fringe y que se hiciera cargo hace unos años del retorno al cine de la saga Star Trek), estará ambientada 30 años después de "El regreso del Jedi", con Harrison Ford (Han Solo), Mark Hamill (Luke Skywalker) y Carrie Fisher (la princesa Leia) repitiendo los papeles que los consagraron hace tantos años. Sólo cabe esperar que "Star Wars Episodio VII: El despertar de la Fuerza" esté a la altura de las expectativas.<br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh4uNlZptcb2oPh1sHyw2SvI9a08QzXqauVpmVKtNX7wIq9K4vNvCVDKvMVMEwUFKiNYfkIjw9zw4IjQkTIPRb1QPpLhY91wov6ke20smctIgDIiA64xZpyb2gqehnjpPZPJsDmS24HXj4/s1600/movies-2015-24.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh4uNlZptcb2oPh1sHyw2SvI9a08QzXqauVpmVKtNX7wIq9K4vNvCVDKvMVMEwUFKiNYfkIjw9zw4IjQkTIPRb1QPpLhY91wov6ke20smctIgDIiA64xZpyb2gqehnjpPZPJsDmS24HXj4/s1600/movies-2015-24.jpg" height="320" width="320" /></a></div>
También Arnold Schwarzenegger vuelve para repetir uno de sus personajes más famosos en "Terminator 5: Genesis", bajo la dirección de Alan Taylor (responsable de "Thor: Un mundo oscuro"). ¿De qué trata? Skynet, la computadora más terca e insistente en la historia, se vuelve a enfrentar a la rebelión de los humanos, quienes demostraron ser mejor que las cucarachas y sobreviven a lo que sea. Bueno, la idea básica es esa, la guerra de hombre versus la máquina. Emilia Clarke encarnará a Sarah Connor y Jason Clarke será John Connor, su hijo y héroe de la resistencia.<br />
<br />
"Jurassic World" será la cuarta entrega de la saga donde el ser humano volverá a enfrentar a los temibles dinosaurios prehistóricos. Dirigida por Colin Trevorrow, la acción -según información filtrada por los estudios- se desarrollará en Isla Nublar (la de la primera película) que ha sido transformada en un parque temático, tal como la ideó originalmente John Hammond. Con 10 millones de visitantes al año ahora el parque es un lugar seguro e incluye un área con dinosaurios submarinos que forman parte de un espectáculo acuático en el que devoran tiburones blancos. Pero los problemas llegan cuando aparece una nueva forma de dinosaurio desconocida que es mucho más inteligente de lo que se pensaba. Chris Pratt y Bryce Dallas Howard serán los protagonistas principales.<br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiq1GaSP5aUgJfBilNnoOD1FvXRd9KroYG_f6hltBWz-mlYYpv75Oqvr5od4VXf7Oe9ogj3DHGrp_-vKg4dR7cu1ylOyvkkCL_OfDfoFz2XCNe7XLQFjXLa7AgsBWQNzZ5to_K4H6puKkU/s1600/Batman+vs+Superman+Dawn+of+Justice+01.jpeg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiq1GaSP5aUgJfBilNnoOD1FvXRd9KroYG_f6hltBWz-mlYYpv75Oqvr5od4VXf7Oe9ogj3DHGrp_-vKg4dR7cu1ylOyvkkCL_OfDfoFz2XCNe7XLQFjXLa7AgsBWQNzZ5to_K4H6puKkU/s1600/Batman+vs+Superman+Dawn+of+Justice+01.jpeg" height="320" width="225" /></a></div>
Por su parte, el director Zack Snyder vuelve a dirigir a el Hombre de Acero en "Batman vs Superman". Basada en el comic The Dark Knight Returns, se anuncia como la primera película que reunirá a parte de la Liga de la Justicia, con la cual DC Comics piensa competir con el éxito conseguido por los films de Marvel. Henry Cavill (Clark Kent / Superman), Ben Affleck (Bruce Wayne / Batman) y Gal Gadot (Diana Prince / Wonder Woman) encabezan un elenco multiestelar junto a Jeremy Irons, Amy Adams, Laurence Fishburne y Holly Hunter.<br />
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Por último, 2015 nos traerá una nueva película del agente inglés con licencia para matar. Con el título provisorio de "Bond 24", será dirigida por Sam Mendes ("Skyfall") y protagonizada nuevamente por Daniel Craig. No se conocen todavía datos específicos de la trama.Anonymoushttp://www.blogger.com/profile/06991016512325283029noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-1201840538304200607.post-47202408489615700782014-12-15T11:09:00.002-08:002014-12-15T11:09:27.667-08:0075 AÑOS DE GONE WITH THE WIND: El huracán escarlata<br />
<b><i>Ejemplo de interpretación femenina, pilar de muchas actrices que empiezan y reflejo de poderosa alimentación para las noveles que esperan ser regadas con aquella lejana luz del incendio de Atlanta, Vivien Leigh –impresionante actriz proveniente del mejor teatro inglés</i></b><b><i>–</i></b><b><i> le puso el cuerpo y el alma al personaje femenino que está considerado el más famoso de toda la historia del cine: la Scarlett O’Hara de "Gone with the wind" (Lo que el viento se llevó). Lo que sigue es un compendio de las razones que hacen que uno no pueda dejar de volver a ella una y otra vez. </i></b><br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhYXejeHssa0KyQT5JV0TUREZgzTQMviglV-4uceQE730I7VmK3rEymZaJeNQSMSVqf65OVzeGf7y9NR3a69TJDxfcmnwNwLkus0L9g0SNZzy1G8QZz3o-Qs_iX0r-Q5PwuLI462-bCIhY/s1600/Vivien+Leigh+006_B.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhYXejeHssa0KyQT5JV0TUREZgzTQMviglV-4uceQE730I7VmK3rEymZaJeNQSMSVqf65OVzeGf7y9NR3a69TJDxfcmnwNwLkus0L9g0SNZzy1G8QZz3o-Qs_iX0r-Q5PwuLI462-bCIhY/s1600/Vivien+Leigh+006_B.jpg" height="320" width="301" /></a></div>
<b>UNO.</b> La entrada al baile de Doce Robles. Scarlett penetra jovial, feliz, al centro del salón principal. Una sociedad conservadora viva y colorista se retrata cruda ante los ojos de nuestra heroína, los mismos que buscan con avidez de serpiente la figura de su amado Ashley… Una de esas miradas capaces de encender varias guerras civiles al mismo tiempo.<br />
<br />
<b>DOS.</b> La fuerza que consigue sacar a su familia de la pobreza en la que la sumergió la Guerra de Secesión. Scarlett se enfrenta a ser ella misma y a demostrar su fortaleza frente al mundo que la condiciona. Dueña de una voluntad poderosa, es una sureña con el espíritu pragmático del Norte que no se deja seducir por los sueños de gloria de los caballeros del Sur. Y si bien vive enamorada del soñador, honorable y decadente Ashley (Leslie Howard), son su garra y hasta su rapacería esencialmente norteñas las que le permiten sobrevivir.<br />
<br />
<b>TRES.</b> El temperamento y la sensualidad que muestra –especialmente<b><i>–</i></b> en la primera parte del film, donde se describen los años de esplendor de una familia sureña adinerada. Padres abnegados, hijas en la edad del pavo, petimetres de uniforme y esclavos negros sonrientes se mueven alrededor de la gran mansión de Tara, en una atmósfera de idílico entendimiento. Pero por sobre todos ellos, la presencia mágica de Scarlett iluminándolo todo…<br />
<br />
<b>CUATRO.</b> El parto de Melanie: momento que actúa de bisagra en el comportamiento de Scarlett haciéndola aterrizar en forma definitiva en el mundo que le ha tocado en suerte. Pura carne, todo sentimiento, fuerza y humanidad… Esos minutos previos al parto, justo cuando espera impaciente a la sirvienta, mientras detrás de ella una Olivia de Haviland <b><i>–</i></b>eficaz como siempre<b><i>–</i></b> se debate entre el dolor y la angustia. Todo el personaje es más Scarlett que nunca y transmite una gama poco común de matices: angustia, egoísmo, humanidad, descontrol, autoridad… La tremenda valentía de los O’Hara explota, deslumbra y eclipsa todo lo demás…<br />
<br />
<b>CINCO.</b> La coherencia de un alma femenina que no admite límites para alcanzar lo que se propone y que escandaliza a toda una sociedad que consideraba a la mujer como un objeto de bondad y belleza para exclusivo solaz de los hombres y la alegría de los hogares bien constituidos.<br />
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<b>SEIS.</b> El juramento debajo del árbol, en el crepúsculo de Tara y de la familia diezmada por la guerra: <i>"A Dios pongo por testigo, a Dios pongo por testigo de que no lograrán aplastarme. Viviré por encima de todo esto. Y cuando haya terminado nunca volveré a saber lo que es el hambre. Ni yo, ni ninguno de los míos. Aunque tenga que estafar, ser ladrona o asesinar. A Dios pongo por testigo de que nunca volveré a pasar hambre…"</i><br />
<br />
<b>SIETE.</b> Tiene a sus pies a todos los varones existentes en ciento cincuenta kilómetros a la redonda, mientras su corazón se derrite por el único hombre que (por la razón que fuere) le resulta inaccesible. Pero Scarlett puede adaptarse a todo y así atraviesa tres matrimonios, dos etapas de viudez y un abandono, hasta que finalmente entiende que su único y verdadero amor es su amada tierra de Tara.<br />
<br />
<b>OCHO.</b> Esa misma adaptación que demuestra para sobrevivir. Puede hacer frente a un ejército que avanza y, con helada tranquilidad, atravesar de un balazo la cabeza de quien significa una amenaza para sus seres queridos. Su capacidad para rehacerse de la tragedia es única y la hace apta para desempeñar hasta sus últimas consecuencias el mejor papel femenino (con sus caídas de ojos y una oportuna lagrimita) y también para hacer el trabajo que la época le tenía reservado a los hombres.<br />
<br />
<b>NUEVE.</b> Esos aires de señorita mimada y orgullosa que mantiene aún en los momentos más difíciles. La vida la endurece para salir adelante, pero no consigue cambiar su carácter. Siempre se hace evidente que es una O’Hara, la favorita de su padre, la heredera absoluta de Tara.<br />
<br />
<b>DIEZ.</b> Las redecillas, los vestidos, los sombreritos… Aún cuando se viste con las cortinas de su vieja mansión está impecable y no pierde esa altura que supo convertirla en la joven más deseada por los caballeros sureños. Y esa manera de levantar el mentón…<br />
<br />
<b>ONCE.</b> Ese aire de final feliz que amenaza tener la vida de Scarlett pero que no puede impedir la tragedia: la guerra, la muerte de sus padres, la muerte de su única hija y el dejar escapar al hombre de su vida, al único que la amó incondicional y ciegamente.<br />
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<b>DOCE.</b> La última escena, esa que nos deja con una pregunta que jamás podrá ser contestada. Abocada a postergarlo a su antojo, a enrostrarle su amor secreto por otro, Scarlett ve como Rhett toma sus pilchas y se cabrea de tanta humillación, mal que le pese a la arrepentida, condenada en ese minuto, en esa escena épica del final, a arrastrarse literalmente por los suelos, suplicando una nueva oportunidad. Clamando a los cuatro vientos que no será capaz de vivir sin él, que sin él se va a morir o a pegarse un tiro. A lo que el enorme Clark Gable responde con una frase emblemática, acuñada desde entonces en el museo de los procedimientos viriles: <i>"Francamente, querida mía, me importa un bledo"</i>.<br />
<br />
<b>TRECE.</b> Y entonces sí, la apoteosis. Dolido, contra su propio deseo, Rhett Butler se pierde en la niebla. Los ojos llorosos de Scarlett que se agrandan ante la seguridad del recuerdo de la tierra, de su Tara. Todo su rostro es reflejo de la fuerza interior de este enorme personaje de mujer. Su cuerpo de desploma en las enormes escaleras, sobre el rojo terciopelo. Y al momento de recordar la frase de su padre (<i>"La tierra es lo único que vale la pena de trabajar y de luchar y hasta de morir por ella, porque es la única cosa que perdura."</i>), Scarlett, más invencible que nunca, vuelve a levantarse por enésima vez y proclama: <i>"¡Tara, es mi hogar, es mi casa! Ya encontraré alguna forma de hacerle volver… Pensaré sobre eso mañana, en Tara. Allá lo podré soportar. Mañana pensaré en una forma de recuperar a Rhett. Después de todo, mañana será otro día…"</i><br />
<br />
Nunca sabré si Scarlett pudo o no recuperar a Rhett. Pero en realidad no importa. En el fondo, sé que vuelvo a ella esperando que pose en mí sus claros ojos verdes, que me deje tomarla por la cintura y que bailemos juntos alguna tonada sureña. Y que sea yo quien le ayude a volver feliz a Tara y vivir juntos ese mañana y todos los mañanas que la magia del cine nos permita soñar.<br />
Anonymoushttp://www.blogger.com/profile/06991016512325283029noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-1201840538304200607.post-79131349062042550232014-12-15T10:53:00.000-08:002014-12-15T10:53:58.630-08:0075 AÑOS DE GONE WITH THE WIND: El film eterno<br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi5oLedC563U5O5T050mHNrnm5LYkuWZEhOmv000If3QMJNrO0ckWRpVkPgQVX829Aynenkf4gNsJbzyFjvj4IUBRCc2QHMGBkhE2eyKsL4zv4rFazepdvd7Uqq5FDdAYC3Qcyf_OT5Mtc/s1600/Gone+with+the+wind_Small_003.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi5oLedC563U5O5T050mHNrnm5LYkuWZEhOmv000If3QMJNrO0ckWRpVkPgQVX829Aynenkf4gNsJbzyFjvj4IUBRCc2QHMGBkhE2eyKsL4zv4rFazepdvd7Uqq5FDdAYC3Qcyf_OT5Mtc/s1600/Gone+with+the+wind_Small_003.jpg" height="320" width="280" /></a></div>
Cumple hoy 75 años. Y sin tener el apoyo unánime de los críticos ni el favor incondicional del públicom no deja de ser la película más mítica de la historia del cine. Intensa, deslumbrante, emotiva, triste y cruel, cuenta una historia compleja en la que todo encaja con una precisión milimétrica, no como fruto del cálculo sino de la pasión de sus creadores.<br />
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Tiene la presencia del personaje femenino más memorable de la historia del cine, Scarlett O'Hara. Seductora, caprichosa, cruel, atractiva, manipuladora, irresistible, apasionada, carnal, descarada. Estos y otros adjetivos se le pueden aplicar a esa mujer que nos lleva en un viaje lleno de encontronazos desde su adolescencia hasta una madurez que es como un nuevo renacer.<br />
<br />
Un viaje donde conocemos desde las fascinantes tierras de Tara hasta la bulliciosa Atlanta, desde la bucólica vida de los hacendados sureños hasta la más cruel y dolorosa visión de la guerra. Un viaje en el que nos encontramos con personajes memorables, aunque ninguno supera en fuerza a la protagonista. Solo el descaro y la ironía del gran Reth Buttler es capaz de poner en su sitio la egoísta desesperación de la joven.<br />
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Dirigida de forma deslumbrante por Victor Fleming, desde las luminosas primeras secuencias hasta ese extraordinario final en la escalera, la película impresiona con una puesta en escena compleja y espectacular de una belleza insuperable en muchos momentos. Y todo ello hecho sin computadoras ni efectos especiales.<br />
<br />
Para el recuerdo quedan secuencias históricas que incluso quienes no han visto la película sabrían reconocer. Scarlett poniendo a Dios por testigo, Reth Buttler diciendo eso de <i>"francamente querida, me importa un bledo"</i>, o el memorable <i>"mañana será otro día"</i>.<br />
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Y todo acompañado por una banda sonora de excelencia: la música de Max Steiner que es ya un clásico que transporta a otra época, a la altura del mito que representa <i>"Gone with the wind"</i>.<br />
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Una película para la eternidad.<br />
Anonymoushttp://www.blogger.com/profile/06991016512325283029noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-1201840538304200607.post-38347362524324437702014-12-08T10:33:00.001-08:002014-12-08T10:33:51.789-08:008 de diciembre de 1980...<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgWXCEI4ZYdl3u1erZ0MY7fKyzdi2nF8DQwHxB3rr5IjjBWMJeK8UYrWOLoPdkmPZsGh-kWo8oBQqY1BHImvEAhAnjeU2gRNzOzL6rUnq3HmnqH61GvYDfQm3BHSDNz97ydCA2MtPeBe3E/s1600/1980+John+Lennon_001.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgWXCEI4ZYdl3u1erZ0MY7fKyzdi2nF8DQwHxB3rr5IjjBWMJeK8UYrWOLoPdkmPZsGh-kWo8oBQqY1BHImvEAhAnjeU2gRNzOzL6rUnq3HmnqH61GvYDfQm3BHSDNz97ydCA2MtPeBe3E/s1600/1980+John+Lennon_001.jpg" height="400" width="300" /></a></div>
<br />Anonymoushttp://www.blogger.com/profile/06991016512325283029noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-1201840538304200607.post-3871682887319193972014-12-01T08:19:00.002-08:002014-12-01T08:19:37.541-08:00Rosa Parks: “La libertad no es gratis”<br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgNnlwVDZsEaft1VUK_QpA2bgTUWVKEB-DlFEUX2hoYD-5QFaPY0Y6xdNedmtNIm9-UUrPnbWAPb8Nkny0a9jAiuI_6fUWII4NUSqM6lymA9z64hOqcMPW7dq1P2yN0k3O475XzzfH9OV4/s1600/Rosa+Parks+002.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgNnlwVDZsEaft1VUK_QpA2bgTUWVKEB-DlFEUX2hoYD-5QFaPY0Y6xdNedmtNIm9-UUrPnbWAPb8Nkny0a9jAiuI_6fUWII4NUSqM6lymA9z64hOqcMPW7dq1P2yN0k3O475XzzfH9OV4/s1600/Rosa+Parks+002.jpg" height="320" width="217" /></a></div>
Rosa Louise Parks tenía 42 años cuando volvía de su trabajo como costurera en Montgomery, Alabama, el 1º de diciembre de 1955, y tomó una decisión que cambió la historia. Ese día, Rosa se negó a ceder su asiento a un blanco en un autobús y moverse a la parte de atrás como dictaba la ley de la época. Los reglamentos impuestos luego de la Guerra de Secesión determinaban la separación de razas en los medios de transporte, los restaurantes y las instalaciones públicas del sur. Algunos historiadores comentaron que la mujer estaba agotada luego de un duro día de trabajo, pero Rosa siempre lo negó. <i>“La verdadera razón por la que decidí no levantarme fue porque sentí que tenía derecho a ser tratada como cualquier otro pasajero. Habíamos soportado ese tipo de tratamiento demasiado tiempo”</i>, declaró después.<br />
<br />
Entrevistada por la BBC de Londres, algunos años antes de su muerte, Rosa no olvidaba lo ocurrido aquel día: <i>“El joven blanco que estaba de pie no había pedido el asiento. Fue el conductor quien decidió crear un problema. Yo estaba sentada donde se suponía que debía hacerlo. El conductor exigió a cuatro personas negras que se pararan por una persona blanca que no había pedido un asiento. Simplemente sentí que no podía permitirme seguir siendo maltratada de esa manera. Pero no tenía idea de que alguien se enteraría de lo que me había sucedido aquel día. Es más, ni siquiera tenía certeza de que sobreviviría aquel día. Simplemente estaba cansada del maltrato”</i>, sostuvo.<br />
<br />
Para cuando ocurrió el hecho, Rosa ya era una activista en el campo de los derechos humanos. A principios de la década 1950, Parks se unió al movimiento estadounidense de derechos civiles y se empleó como secretaria en la Asociación Nacional para el Avance del Pueblo de Color (National Association for the Advancement of Colored People, NAACP en Montgomery (Alabama). También asistió a la Highlander Folk School, un centro educativo que promovía los derechos de los obreros y la igualdad racial. Queda claro que Rosa sabía muy bien a lo que se exponía cuando decidió quedarse sentada, aunque nunca pensó que encendería la chispa de lo que luego fue el Movimiento por los Derechos Civiles en Estados Unidos.<br />
<br />
Como era de esperarse, su acción concluyó con su encarcelamiento. Acusada de haber perturbado el orden, debió pagar una multa de 14 dólares, pero su acto dio nacimiento a un movimiento no violento de masas contra la discriminación y ella se convirtió para siempre en la “madre de los derechos civiles” de su país.<br />
<br />
Pero el gesto de Rosa y su posterior detención no pasaron inadvertidos para la comunidad afroamericana de Alabama. Un joven pastor bautista, poco conocido hasta entonces, encabezó y armó un boicot que afectó tanto al sistema de transportes como a la política estadounidense en su totalidad. Su nombre era Martin Luther King.La orden de King era clara y fue acatada con rapidez: ninguna persona de color volvería a subir a un autobús. De este modo, los habitantes negros llevaron adelante su lucha durante 381 días seguidos. Para cuando el boicot terminó, las compañías transportadoras estaban al borde de la quiebra, pues los buses eran 75 por ciento para la población de raza negra. A lo largo de ese año, cientos de trabajadores negros fueron despedidos y muchos otros terminaron en prisión. El fin de la lucha llevó también llevó a la creación de la Asociación por el Desarrollo de Montgomery, grupo que eligió como uno de sus portavoces a Luther King.<br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh3dCjdeEqtvltMpUYRmnENli47-fvNxeOMS3w23ZsP4c5Vb9-OaLdNWcivZD4cCJLrdqlHAAsKxRMHT_A3c_42jlph-Bv144zCK95Tpn9bXTk_wfc5SUNX0Ju-e-lvloxVhsY68j9qNYA/s1600/Rosa+Parks+001.jpeg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh3dCjdeEqtvltMpUYRmnENli47-fvNxeOMS3w23ZsP4c5Vb9-OaLdNWcivZD4cCJLrdqlHAAsKxRMHT_A3c_42jlph-Bv144zCK95Tpn9bXTk_wfc5SUNX0Ju-e-lvloxVhsY68j9qNYA/s1600/Rosa+Parks+001.jpeg" height="213" width="320" /></a></div>
Previamente, el 13 de noviembre de 1956, la Corte Suprema decretó que en Montgomery la segregación racial en los buses terminaba porque estaba en contra de la constitución estadounidense, lo que se constituyó en todo un triunfo para los derechos civiles, pues se demostraba que alcanzar la igualdad era posible.<br />
<br />
Sin embargo, en 1957 Rosa Parks tuvo que mudarse a Detroit con su esposo luego de ser amenazada de muerte, una situación común entre muchos líderes negros que fueron víctimas de atentados y arrestos injustificados. No obstante, continuó militando a favor de los derechos civiles y promocionando la igualdad sin importar el color, para convertirse en todo un símbolo de la justicia y de la lucha de las minorías.<br />
<br />
<i>“La libertad siempre ha sido importante para mi</i> –decía Rosa–. <i>Pero los sacrificios necesarios para lograr la libertad para todos no son la prioridad para suficiente gente hoy en día. Y eso que el desempleo y la criminalidad urbana siguen siendo problemas graves en las comunidades negras de Estados Unidos. Por supuesto queda mucho por hacer. Como he dicho muchas veces antes, la libertad no es gratis”</i>.<br />
<br />
En 1987, Rosa Parks fundó el Instituto Raymond Parks para el Auto Desarrollo –en honor a su esposo- para ayudar a los jóvenes a alcanzar su máximo potencial. <i>“En el programa ‘Caminos hacia la Libertad’, en el que hacemos investigaciones históricas, nuestro tema es: ‘¿Dónde has estado? ¿Hacia dónde vas?’. Trabajamos con jóvenes de muchos grupos en la comunidad para ayudar a identificar sus necesidades”</i>, decía Rosa.<br />
<br />
Uno de los principales puntos que se enfatizan en el Instituto es el trabajo comunitario y la filosofía de “Serenidad y Fortaleza” (Quiet Strength), la habilidad de demostrar dignidad con orgullo, coraje con perseverancia y poder con disciplina. Esta filosofía enfatiza el crecimiento espiritual, el cuidado de la salud, la comunicación efectiva y el ser auto-suficiente en un clima de respeto mutuo y amistad.<br />
<br />
<i>“Hace 40 años la lucha por los derechos civiles unió a la comunidad negra</i> –le decía Rosa a la BBC–. <i>Hoy en día muchos jóvenes negros parecen no tener esperanza en la lucha social. Muchas cosas eran diferentes hace 40 años. Los negros vivían en una sociedad completamente segregada aquí en Estados Unidos. No importaba cuál fuera tu ingreso, tu educación o tu profesión. Si eras negro, debías vivir en un barrio para negros. 40 años después esto ya no es así. Era fácil identificar el racismo entonces. Se veía cada día. Se hablaba de eso en las casas, en las comunidades, en las iglesias, en las escuelas. Siempre estaba con uno. Pero todavía hay racismo en Estados Unidos, pero las formas de racismo no son tan obvias como hace 40 años. Hay que educar a la juventud sobre su pasado, su presente y futuro”</i>.<br />
<br />
El 24 de octubre de 2005 Rosa Parks falleció a la edad de 92 años. Sufría de demencia progresiva. El 30 de octubre sus restos fueron honrados en la Rotonda del Capitolio, convirtiéndose en la primera mujer y la segunda persona afroamericana en recibir este honor. Después de una vida de batallar contra el racismo, Parks había recibido, en 1999, una Congressional Gold Medal (Medalla de Oro del Congreso). Su muerte ocurrió pocas semanas después del paso del huracán Katrina (que golpeó en los estados de Alabama, Louisiana y Mississippi), y que dejó en claro que en “el país de las oportunidades” sigue habiendo racismo. Seis de cada diez negros acusaron al gobierno de racismo debido a la lentitud con la que les llegó la ayuda, mientras que sólo uno de cada ocho blancos pensaba lo mismo, según un sondeo de mediados de setiembre de aquel año.<br />
<br />
Las cifras oficiales de Louisiana indican que 42% de los más de 1.200 muertos a causa del ciclón eran negros, mientras que la comunidad negra es sólo 32% de la población del estado. Militantes de los derechos negros organizaron una manifestación de miles de personas sobre la explanada de Washington a mediados de octubre para denunciar el hecho.<br />
<br />
Según cifras oficiales de 2012, el 28% de los negros estadounidenses es pobre, más del doble que la población general (12,7%). Y la diferencia entre los ingresos familiares de blancos y negros creció de US$ 19.000 en 1967 a casi US$ 27.000 para ese mismo año.<br />
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Habrá que seguir educando, nomás…<br />
Anonymoushttp://www.blogger.com/profile/06991016512325283029noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-1201840538304200607.post-52305761075790180112014-11-30T15:13:00.001-08:002014-11-30T15:13:40.887-08:00Rebecca: “Anoche soñé que volvía a Manderley…”<br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiQ8BkhOXK9RwHBm1JEbuLbaQEo66KIvcSb7MdZL1dmF1Vs93jz1WsQgSKU1-ZVxbOJdHtUa5FZrPb29abqpSOzxwBWkNfHUubS03LA7wg6tl-kPIvhCJ9P6zk_p92c3DqIqwgwTC9FWl4/s1600/Rebecca+01.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiQ8BkhOXK9RwHBm1JEbuLbaQEo66KIvcSb7MdZL1dmF1Vs93jz1WsQgSKU1-ZVxbOJdHtUa5FZrPb29abqpSOzxwBWkNfHUubS03LA7wg6tl-kPIvhCJ9P6zk_p92c3DqIqwgwTC9FWl4/s1600/Rebecca+01.jpg" height="320" width="218" /></a></div>
Hasta que Hitchcock la llamó para protagonizar <i>Rebecca</i>, su primera producción americana, Joan Fontaine sólo había intervenido en algunos papeles secundarios. La interpretación de la frágil muchacha desprotegida la elevó al estrellato pero la encasilló en un papel que repetiría varias veces a lo largo de su carrera. <i>“Desde el principio yo sabía que Joan Fontaine era la más indicada porque percibí que ella misma era poco consciente de sí misma como actriz, pero veía en ella posibilidades para una interpretación controlada y tímida. Los primeros días de rodaje se mostró demasiado tímida pero presentí que llegaríamos donde quería,… y llegamos”</i>, comentó el director inglés tiempo después.<br />
<br />
La frágil presencia de la Fontaine fue requerida de nuevo por el maestro para protagonizar junto con Cary Grant <i>Suspicion</i> (Sospecha) una excelente película maltratada por los productores, en la que volvió a demostrar su categoría como actriz hitchcockiana, dando vida a la mujer que cree haberse casado con un asesino que pretende acabar con su vida. El papel de Fontaine es muy similar al que ya había jugado en <i>Rebecca</i>: una mujer atormentada que vive en una situación que la mantiene angustiada, pero que ama a su marido y aguanta de todo por no perderlo.<br />
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Tras el éxito en las interpretaciones en estos dos films (que le valieron a la actriz una nominación al Oscar por el primero y la estatuilla por el segundo), estrella y director no volvieron a coincidir en un set de filmación dado que don Alfred comenzaría a elegir en adelante otro tipo de personalidad para sus heroínas, dejando de lado el tipo de rol que Fontaine encarnaba a la perfección: mujeres más bien retraídas, tímidas y soñadoras, pasando a papeles femeninos en los que la mujer es mucho más independiente, atrevida, más abierta a la sexualidad y que vive su vida para ser feliz y ya no se conforma con soñar con la felicidad.<br />
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<b><i>De amores…</i></b><br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgkiR47UIvsVs3J_QVXfZlLWrolKq3d0cjoY-1K-8RvGaY8ElU1kV1PpuQal_-dmGSlg-Z8TghQz_Z-68bzL9emeimbiHQBDHmepLXYr3CjD68SOcAGFsmtb3HTRndX1mkOOt7czZ2PduQ/s1600/Joan+Fontaine+001.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgkiR47UIvsVs3J_QVXfZlLWrolKq3d0cjoY-1K-8RvGaY8ElU1kV1PpuQal_-dmGSlg-Z8TghQz_Z-68bzL9emeimbiHQBDHmepLXYr3CjD68SOcAGFsmtb3HTRndX1mkOOt7czZ2PduQ/s1600/Joan+Fontaine+001.jpg" height="320" width="252" /></a></div>
La voz en off de Joan Fontaine, melancólica y apasionante, contándonos su vida en Manderley nos mete de lleno en la historia: una chica tímida que conoce a un millonario viudo del que se enamora (Sir Lawrence Olivier). Cuando llegan a su mansión se ve envuelta en una situación que la desborda: los recuerdos de la antigua señora de la casa, Rebecca, son demasiado fuertes para ella y están muy presentes tanto en cada rincón como en la memoria de todos los que la conocieron. La muchacha comienza a sentirse incapaz de luchar contra el peso de un fantasma con la que todo el mundo la acaba comparando de forma inevitable. Su esposo es el primero en no querer hablar de Rebecca, y la información que obtiene por unos y por otros es confusa e inquietante. Su sufrimiento se ve acrecentado por un ama de llaves que no quiere que haya una nueva señora allí. Estos dos personajes femeninos son para mí los más interesantes y son manejados lúcidamente por el maestro: Joan Fontaine, una mujer dominada por los recuerdos, que va acumulando un enorme complejo de inferioridad y Judith Anderson, enamorada de la anterior esposa y celosa de la posesión del grandioso edificio.<br />
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Hay un momento de la película que alcanza para sostener esta opinión: la aparición de Manderley ante los ojos asustadizos de Fontaine cuando vuelve junto a su marido del viaje de bodas. Cuando abre la puerta de las habitaciones de Rebecca y entra, observando y apenas tocando las propiedades de aquella mujer y la aparición fantasmal del ama de llaves a través de los transparentes cortinajes de seda… La forma en que Judith Anderson enseña y roza los vestidos que pertenecieron a su ama, su ropa interior ordenada en los cajones, sus cepillos para el pelo y esa manera de ir narrando a la aterrorizada Señora de Winter las maravillas de una mujer a la que amaba intensamente. Una maravillosa secuencia de escenas, encadenadas con maestría por el director inglés.<br />
<br />
Hitchcock tuvo, entre otras muchas, la virtud de crear estereotipos tan definidos que se adhieren a sus intérpretes como una piel. Y así como Anthony Perkins será para siempre el Norman Bates psicópata disfrazado de ancianita en <i>Psycho</i> (Psicosis), a Judith Anderson le pasó algo parecido: su Señora Danvers de <i>Rebecca</i> le confirió un tono inquietante en todas las películas en las que apareció posteriormente. Bien dice Luis Gasca que <i>“las amas de llaves cinematográficas, aunque no cronológicamente, sí artísticamente, nacen en Rebecca, con el rostro de Judith Anderson”</i> (1).<br />
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<b><i>…y fantasmas</i></b><br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh9aVcdi1xE1VRPOiI5025bgi0LPt8Tma652USQn2HJVtTZG8CutCz4TvgZXGXp_cYS1OxqU3-R_DqkbnIHA1XnAeaJXKqPkNPyf1-wCDLONrizdC86oWZliJ-z1VhNf61n0QaqoRbO4SU/s1600/Rebecca+001.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh9aVcdi1xE1VRPOiI5025bgi0LPt8Tma652USQn2HJVtTZG8CutCz4TvgZXGXp_cYS1OxqU3-R_DqkbnIHA1XnAeaJXKqPkNPyf1-wCDLONrizdC86oWZliJ-z1VhNf61n0QaqoRbO4SU/s1600/Rebecca+001.jpg" height="251" width="320" /></a></div>
<i>Rebecca </i>es uno de los pocos films en que un personaje ausente es el motor principal de las situaciones: la señora que le da nombre a la película era una hermosa mujer que causa una tremenda atracción personal tanto entre los hombres como entre las féminas. Rebecca de Winter, aparece adornada con las galas de una mujer fría, absolutamente convencional, creída de sí misma, de su belleza, de su situación de poder y con un toque de perversidad con el que manipula las vidas de los que la rodean incluso después de su muerte. Frente a ella, la joven señora de Winter, interpretada por Joan Fontaine, es una mujer-niña apocada, débil, sin espíritu ni iniciativa, absolutamente fuera de lugar en el gran mundo. Es el personaje puesto en un sitio al que no pertenece y al cual le suceden cosas que no le deberían pasar: “Cenicienta”, la llaman a escondidas, y esto queda demostrado la noche de la fiesta cuando, hecha una princesa como Rebecca, debe salir corriendo del salón y pierde el sombrero al subir las escaleras.<br />
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De a poco vamos cayendo en el brutal encanto de un personaje que jamás vemos, al que no oímos, al que no tocamos, pero que esta ahí, en cada secuencia. Rebecca nos envuelve y ese mismo personaje dirige los hilos de los demás con diabólica sensibilidad, hasta los momentos finales del film, cuando una asombrosa confesión lleva a que se nos esfume el morboso interés que sentimos hacia Rebecca de Winter.<br />
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Yvonne Yolis sostiene que<i> “si el sentido de lo que vemos depende de lo que no vemos, podemos asegurar que el Fuera de Campo es uno de los elementos más importantes que diferencian al cine de las demás artes (…) Hitchcock lo incorpora sabiamente en sus películas, pero no con el sólo propósito de crear tensión o suspenso (…) sino que lo relaciona directamente con la identidad de sus personajes. Se establece una especie de triángulo imaginario que conforman los dos protagonistas y un tercero, representado por el fuera de campo, que es quien promueve o permite esa ‘sustitución de la personalidad’ en uno de ellos”</i> (2). En el film que nos ocupa, el triángulo se establece entre Rebecca muerta, su viudo y su nueva esposa Y un detalle importante: de esta nueva ama de Manderley no sabremos su nombre en toda la película ya que se mantiene la ambigüedad de “Sra. De Winter” o “la esposa de…”.<br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiKUP2IpZzpcCHWfmEsAwyHOIk13agLmnEhT6ehw3qpmkQCQDhfTls8KCj4kKcgBGzOKQp6OyRF_p2I9sz_YPYTWnRej7LLZ-Eus6o9fW5eedbI3Gml2pwUXfRCXNUke9HiKGIpObjTJDI/s1600/Rebecca+002.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiKUP2IpZzpcCHWfmEsAwyHOIk13agLmnEhT6ehw3qpmkQCQDhfTls8KCj4kKcgBGzOKQp6OyRF_p2I9sz_YPYTWnRej7LLZ-Eus6o9fW5eedbI3Gml2pwUXfRCXNUke9HiKGIpObjTJDI/s1600/Rebecca+002.jpg" height="234" width="320" /></a></div>
Con esta novela romántica de Daphne de Maurier, ambientada en la Inglaterra de los años ‘30, Hitchcock nos atrapa desde el primer momento: la situación, los personajes e incluso el estilo romántico que rodea la atmósfera asfixiante, todo pertenece a ese retrato británico noble y misterioso, elegante y oscuro al mismo tiempo…<br />
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Y si bien es cierto que hay cierta coincidencia entre los biógrafos de ‘Hitch’ al asegurar que este maltrataba a sus personajes femeninos, creo que en <i>Rebecca</i> el director le hace justicia a la abnegada Fontaine de manera muy sutil pero brillante. En varias escenas, cuando la nueva Señora de Winter está siendo superada por los acontecimientos, Hitchcock realiza un movimiento de cámara que empieza siempre desde un primer plano de ella y poco a poco va alejando la lente de ella para dar esa sensación de que se empequeñece ante las circunstancias. Pues bien, al final de la película hay otro momento muy similar en el que Olivier le dice que no hay esperanza para ellos, y una vez más Hitchcock aleja la cámara de ella poco a poco, pero a diferencia de los otros planos, ahora Joan Fontaine, cuando la cámara ya está lejos, avanza acercándose a ella para dar una muestra contundente de su determinación: no está todo acabado, luchará para que no sea así.<br />
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<span style="font-size: x-small;"><i>Notas:</i></span><br />
<span style="font-size: x-small;"><i>(1) “Diablesas y Diosas”, Ed. Laertes, Barcelona, 1990</i></span><br />
<span style="font-size: x-small;"><i>(2) “Rebecca, una tensión invisible”. Revista Film, Mayo 1994.</i></span><br />
Anonymoushttp://www.blogger.com/profile/06991016512325283029noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-1201840538304200607.post-62089684452001878852014-11-30T15:03:00.000-08:002014-11-30T15:03:04.251-08:00Las rubias de Hitchcok: De frialdad aparente...<br />
<b><i>Un elemento esencial de las películas de Hitchcock, al igual que sucede en los filmes de Bond, es la actriz que tiene a su cargo el papel protagonista. Comenzamos entonces una serie de notas que nos permitirán conocer no sólo a los personajes a los que supieron dar vida aquellas memorables actrices, sino también la relación del director inglés con el sexo femenino. Una relación que no siempre resultó cordial.</i></b><br />
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<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjl3YfRuk05Sw1caMlPlvTyrxIFC6XkMjIbHS8m3Wd4O3jM74b2TbhGzhSq3xGvG_mdyFi14MJEfVzKVQ9ZsnPdcvk6x5ajC3pXtLw9gsdW7ag0ZwZqswZGfSssbyB-u4nRlmyD4eH0Zvg/s1600/Psycho+002.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjl3YfRuk05Sw1caMlPlvTyrxIFC6XkMjIbHS8m3Wd4O3jM74b2TbhGzhSq3xGvG_mdyFi14MJEfVzKVQ9ZsnPdcvk6x5ajC3pXtLw9gsdW7ag0ZwZqswZGfSssbyB-u4nRlmyD4eH0Zvg/s1600/Psycho+002.jpg" height="320" width="243" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Hitchcock dirige a Janet Leigh en la<br />famosa escena de la ducha en "Psycho"</td></tr>
</tbody></table>
Es indiscutible que el tipo de actriz esbelta, rubia y refinada forma parte del universo cinematográfico del “mago del suspense”, de tal forma que él mismo escribió al respecto “Cómo escojo a mis heroínas”, un texto en el que explica claramente las cualidades que han de tener, a su juicio, las protagonistas de sus filmes. Ese artículo nos permite comenzar a rastrear en los gustos de don Alfred.<br />
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Para empezar, Hitchcock elegía a la heroína de sus películas bajo la premisa de que debía gustar a las mujeres antes que a los hombres,<i> “porque las mujeres forman las tres cuartas partes del público medio del cine, y, si bien las mujeres pueden tolerar la vulgaridad en la pantalla, nunca lo hacen cuando está encarnada en su propio sexo”</i>. Y remarcaba, además, que <i>“la heroína de la pantalla no debe ser sólo decididamente agradable, sino que tiene que tener vida, tanto en los ojos como en la voz”</i>. Era evidente que no le interesaba sólo tener delante de su cámara un rostro bonito.<br />
<br />
Las cuestiones estrictamente técnicas también eran tenidas en cuenta por Hitchcock a la hora de elegir a sus féminas. <i>“Dado que la pantalla no dispone en absoluto de distancia para hechizar la vista -porque los acontecimientos que muestra son llevados por lo general tan cerca de los espectadores que el rostro de la heroína se encuentra de hecho sólo a unos metros de los que están en las últimas filas- ésta tiene que poseer una belleza y una juventud reales”</i>, aseguraba el director. Y aclaraba además que una heroína de la pantalla “no debe superar la talla mediana, ya que una mujer muy alta es sumamente difícil de fotografiar”.<br />
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<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhkS75MfiNf6fAMI9Uo43Gz_htGysgY4eQtKsFfwQYkWtJTrudJfegkIQZ_y9A-V7eT0WjGDGkqsTHnPk64rWLSVP9jUkRjG9pQHpvEvUDHM89Mm-TS64E16fpZ8EF9l5V6vgeYyt8Myg0/s1600/The+39+Steps+001.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhkS75MfiNf6fAMI9Uo43Gz_htGysgY4eQtKsFfwQYkWtJTrudJfegkIQZ_y9A-V7eT0WjGDGkqsTHnPk64rWLSVP9jUkRjG9pQHpvEvUDHM89Mm-TS64E16fpZ8EF9l5V6vgeYyt8Myg0/s1600/The+39+Steps+001.jpg" height="240" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Madeleine Carroll, Alma Reville y Alfred Hitchcock<br />en el set de "The 39 steps"</td></tr>
</tbody></table>
Leyendo esto, a nadie puede extrañar que Hitchcock haya manifestado que <i>“no me gustan las mujeres a las que se les lee en la cara que son como el símbolo del sexo y que parece que lo llevan como letrero. Siempre he sostenido que una mujer delgada puede ser mucho más sexy que otra con dos sandías delante. Creo que la sensualidad de una mujer hay que descubrirla solo mirándola. Sí, me gusta el tipo de rubia fría. Frialdad aparente, porque en el momento en que se ponen en acción todas las barreras se rompen. Es el tipo de mujer inglesa. Todas parecen profesoras, pero dentro de un taxi, te pueden destrozar. Un tipo de rubia como el de Marilyn Monroe no me interesa. Llevan el sexo colgado de su cuello, como si fuera una joya”</i>.<br />
<br />
<b><i>Las rubias, sus favoritas</i></b><br />
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Las rubias pueden ser un peligro. Esto bien lo sabía Hitchcock que a través de sus films ofreció un variado haz de blondas sofisticadas, fantasmales, vulnerables, distantes, incluso alguna medio ñoña. El maestro decía que prefería las heroínas rubias porque resultaban ser las mejores víctimas. <i>“Son como la nieve virgen en donde destacan las huellas sangrientas”</i>, decía.<br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh4dyweJqRybseLVYddHO5PFuxPleeIuV3k1yI5OUuAxLb6IDcRJDx9Xh-4cMFo7B8wb0azevg-rHRjVVePv2cekpKtDROyQ3ruxeQCMSHfFuWqKKLzkhUJiGAQkUlsKpPZliDqghHiebU/s1600/Grace+Kelly+037.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh4dyweJqRybseLVYddHO5PFuxPleeIuV3k1yI5OUuAxLb6IDcRJDx9Xh-4cMFo7B8wb0azevg-rHRjVVePv2cekpKtDROyQ3ruxeQCMSHfFuWqKKLzkhUJiGAQkUlsKpPZliDqghHiebU/s1600/Grace+Kelly+037.jpg" height="320" width="261" /></a></div>
GRACE KELLY. Fue, sin lugar a dudas, la encarnación viviente del ideal que tenía Hitchcock sobre la heroína de sus filmes. Trabajó como protagonista con el director en tres películas consecutivas: <i>Dial M for murder</i> (La llamada fatal, 1954), <i>Rear window</i> (La ventana indiscreta, 1954) y <i>To catch a thief</i> (Para atrapar a un ladrón, 1955). Hitchcock siempre sostuvo que cuando la actriz se retiró del cine para convertirse en la princesa de Mónaco lo vivió como una verdadera pérdida y tuvo que buscar afanosamente otras actrices de características similares sin conseguir nunca la sustituta ideal. Incluso, cuando diez años después Grace Kelly le escribió una carta donde le preguntaba <i>“¿Tiene una película para mí?”</i>, respondió en seguida mandándole el guión de <i>Marnie la ladrona</i>. Grace estuvo de acuerdo, Hitchcock estaba de acuerdo y Rainiero también, pero el pueblo monegasco se opuso y el proyecto fue a parar a manos de Tippi Hedren.<br />
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Para Hitchcock, Grace Kelly era el tipo de mujer que hace pensar en el sexo sin tener que hacer exhibiciones. Tenía un aire inglés que cautivó al director. Tanto lo cautivó que, según cuentan varios biógrafos de ‘Hitch’, le pidió a la actriz que le regalase un striptease mientras el la observaba desde la ventana que aparece en Rear window. Kelly complació de maravillas al director.<br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEghqXsJhnSYpvfj3gHbVqaucTfp5J4cMZFxJHJ3AE36qW4rEcWECD1bPLaAEDRIG7gckCP2hE9FUTI5BtPQ_Du2XiZW-zYiSi4cxQzwmAcLK9WEJ3argbDNDu4NQkjGoay6GJSW6anHuTc/s1600/Vertigo+001.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEghqXsJhnSYpvfj3gHbVqaucTfp5J4cMZFxJHJ3AE36qW4rEcWECD1bPLaAEDRIG7gckCP2hE9FUTI5BtPQ_Du2XiZW-zYiSi4cxQzwmAcLK9WEJ3argbDNDu4NQkjGoay6GJSW6anHuTc/s1600/Vertigo+001.jpg" height="236" width="320" /></a></div>
KIM NOVAK. Aunque solo rodó una película con don Alfred (Vertigo, 1958), está encuadrada, hoy en día, dentro del colectivo de “chicas de Hitchcock”. Las relaciones de éste con la actriz no fueron precisamente un ejemplo de cordialidad y prueba de este hecho son las declaraciones del propio director: <i>“Ella tenía unas opiniones muy definidas sobre sí misma: su pelo tenía que ser siempre el mismo color rubio que le hizo famosa; no debía llevar trajes bajo ninguna circunstancia. Vino a mi casa sin que yo la hubiese visto antes previamente, y trajo estas condiciones. Le dije: Mire señorita Novak, usted se pone el color de cabello que quiera y lleve puesto lo que quiera, con tal que todo esté de acuerdo con el tema a interpretar. Y el tema requería que fuese en parte morena y que llevase un traje gris. En estos casos acostumbro a decir: escuche, haga lo que quiera; siempre queda la sala de montaje. Esto los corta y es el fin del asunto”</i>.<br />
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<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhc0042v_HOx73azv9p87s8ciLXbR5IzmTDUtEZ_xsZL74wXqEC8kG_kAVLplQyPns2aRfjEvKfGrM4tZfFJ5EHdwT8pZU9jc528e5onpeHamPdQ2Q5ilVCu4A4NIe9KH0t_-2s_sDh6ss/s1600/Tippi+Hedren+001.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhc0042v_HOx73azv9p87s8ciLXbR5IzmTDUtEZ_xsZL74wXqEC8kG_kAVLplQyPns2aRfjEvKfGrM4tZfFJ5EHdwT8pZU9jc528e5onpeHamPdQ2Q5ilVCu4A4NIe9KH0t_-2s_sDh6ss/s1600/Tippi+Hedren+001.jpg" height="320" width="258" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Tippi Hedren, en una foto promocional<br />para el film "The byrds"</td></tr>
</tbody></table>
TIPPI HEDREN. Antes de protagonizar <i>The birds</i> (Los pájaros, 1963), no era conocida en la industria cinematográfica. Fue Hitchcock quien la descubrió, no solo por medio de este filme, sino también a causa de la película <i>Marnie</i> (Marnie, la ladrona, 1964), en la que Hedren tuvo a su cargo el papel estelar. Fue la fachada más glacial de todas las rubias de Hitchock.<br />
<br />
MADELEINE CARROLL. Cronológicamente, la primera “chica Hitchcock”. Desde los filmes <i>The 39 steps</i> (Los 39 escalones, 1935) y <i>The secret agent</i> (El agente secreto, 1936) puso de manifiesto las principales características que habrían de reunir en el futuro las aspirantes a heroínas en las películas del maestro del suspense.<br />
<br />
VERA MILES. Protagonista de dos de sus películas más representativas (Falso culpable en 1957 y Psicosis en 1960) y de varios episodios de su serie televisiva, el maestro deseaba convertirla en la nueva heroína rubia de todos sus films, aunque está claro que no daba ese aire atractivo y misterioso, respondiendo más bien a un tipo de mujer inteligente e interesante (perfil que, por cierto, no aparece para nada en Psicosis). La interpretación de la misteriosa Madeleine en <i>Vértigo </i>debería haber supuesto su lanzamiento definitivo. Todo el vestuario del film estaba listo y diseñado en función de su figura e incluso se había realizado un cuadro para el que había posado como modelo. Un inoportuno embarazo frustró sus aspiraciones profesionales y las ilusiones de Hitchcock.<br />
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<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj7nX6nkuEKZP7ajRm9PK_j2M5ZyD2MU0he1BQYaC9jERWBDUo3xwGbgZEypTLwiC8eZraOqxG_FwEDwT3YIqnwR7FTr3Gkxz3DVVr_6SOSOngvZxfTjmj_k1ClBCUcp7LXubkNKvnnlYg/s1600/North+by+Northwest+001.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj7nX6nkuEKZP7ajRm9PK_j2M5ZyD2MU0he1BQYaC9jERWBDUo3xwGbgZEypTLwiC8eZraOqxG_FwEDwT3YIqnwR7FTr3Gkxz3DVVr_6SOSOngvZxfTjmj_k1ClBCUcp7LXubkNKvnnlYg/s1600/North+by+Northwest+001.jpg" height="320" width="245" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Cary Grant y Eva Marie Saint en una<br />escena de "North by Northwest"</td></tr>
</tbody></table>
JANET LEIGH. Hitchcock le envió el libro de <i>Psycho </i>(Psicosis, 1960) y para convencerla de que aceptara el papel le dijo que la parte pequeña y no muy interesante que tenia el personaje de Marion Crane sería ampliada. Protagonizó la que tal vez sea la escena más famosa de todas las películas de ‘Hitch’ (el asesinato en la ducha) y aunque allí acabó su colaboración con el maestro siempre tuvo palabras de agradecimiento para con él. <i>“Cuando estábamos a la mitad del rodaje, todo el mundo sabía que teníamos una buena película entre manos, pero nadie tenia la menor idea de que íbamos a hacer historia”</i>, comentó la Leigh años después.<br />
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EVA-MARIE SAINT. Rubia gélida como pocas, supo dar la talla al lado de Cary Grant en <i>North by northwest</i> (Intriga internacional, 1959). Y debe mucho de su carrera posterior a su participación en ese film.<br />
Anonymoushttp://www.blogger.com/profile/06991016512325283029noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-1201840538304200607.post-89791165982550521092014-11-30T14:42:00.000-08:002014-11-30T14:42:46.735-08:00Psycho: En la ducha, nadie escuchará tu grito<b><i>Una casona en penumbras que respira encierro, soledad y locura por los cuatro costados. Una mujer que pagará el precio que el cine le tiene reservado a las que buscan salirse del molde. Un Edipo no resuelto. Una escena que se convirtió en un clásico. Y el gran Alfred abriéndole la puerta por primera vez al terror psicológico y demostrando, de paso, porque es uno de los grandes directores de todos los tiempos.</i></b><br />
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgkKOfhnkTFUzGw8ksRN3aOZ1gbinVSHhN54z4ufWtlEfLAorX0Xbg59xwgjJ-ABuTROh0erWFAtf0-S0VPGYV-L9GpQBdH0bJkQ1tP0-TtNrKHsIbiys60cVUpwLiRA8yLVS1XYGyyGKw/s1600/Janet+Leigh+001.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgkKOfhnkTFUzGw8ksRN3aOZ1gbinVSHhN54z4ufWtlEfLAorX0Xbg59xwgjJ-ABuTROh0erWFAtf0-S0VPGYV-L9GpQBdH0bJkQ1tP0-TtNrKHsIbiys60cVUpwLiRA8yLVS1XYGyyGKw/s1600/Janet+Leigh+001.jpg" height="320" width="267" /></a></div>
La famosísima escena de la ducha que Hitchcock filmó para <i>Psycho</i> (Psicosis, 1960), no es solo impactante por lo que sucede en ella, por su violencia, por el despliegue de ángulos que el director utilizó para realizarla (a una velocidad increíble, además), o incluso por la música de Bernard Herrman… Lo que realmente me impresionó la primera vez que la vi. –y todavía me impresiona– es que a media hora de haber comenzado la película, en aquella ducha del motel, bajo el grifo de agua hirviendo... ¡muere la protagonista! Y uno se preguntaba que demonios estaba pasando hasta que, llenos de asombro, comprobamos como la historia se retuerce hasta depositar el protagonismo en Norman Bates (ese muchacho desgarbado, de claro potencial psicótico, encarnado por Anthony Perkins) y en un personaje que recién se nos descubrirá al final: la madre de Norman.<br />
<br />
Pero volvamos a la escena en cuestión. Hitchcock, con su punto de vista desde dentro de la ducha, nos muestra la sombra de alguien que se acerca a través de la cortina… Marion no sabe que esa sombra es una amenaza, ya que apenas puede ver… En décimas de segundo, la cortina de la ducha se descorre y aparece alguien a quien creemos identificar con una anciana que apuñala a Marion una y otra vez. La víctima cae muerta y con su mano derecha arranca la cortina, la sangre corre por el desagüe y el plano tremendo del ojo sin vida de Marion mirando la nada…<br />
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En realidad, esta secuencia es mucho más que una simple escena: sencillamente es una obra maestra del cine de terror. Marion Crane es salvajemente asesinada con nueve puñaladas, pero el espectador, en cambio, recibe cincuenta… Creo que en este contraste de la percepción visual y la impresión emocional está la clave de ese mítico e inolvidable momento. Cada plano en ese baño responde a la más pura esencia del cine de Hitchcock, a su mirada a veces sádica sobre la mente humana, y –posiblemente– a su visión del castigo que para él debían recibir las mujeres que no se comportaran correctamente.<br />
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<b><i>Una rubia debilidad</i></b><br />
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<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiZpVNtMVVhutIaqUzj6eV4ZS4JRdhBkBhn2aIqe2jJ3yNopnffRmdTVPPCXkRct9plHUU4eDmVGfmuP6BewkmKgODoLBUeu9wrQFg7gC0G5X0UycgNxRdJQjmGJ0rJ_WPgh-sq4q5z9Q0/s1600/Psycho+001.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiZpVNtMVVhutIaqUzj6eV4ZS4JRdhBkBhn2aIqe2jJ3yNopnffRmdTVPPCXkRct9plHUU4eDmVGfmuP6BewkmKgODoLBUeu9wrQFg7gC0G5X0UycgNxRdJQjmGJ0rJ_WPgh-sq4q5z9Q0/s1600/Psycho+001.jpg" height="320" width="256" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Hitchcok y Janet Leigh conversan<br />
durante un descanso del rodaje</td></tr>
</tbody></table>
¿Qué fue lo que hizo la pobre Marion para cerrar su calendario de forma tan violenta? Pobre secretaria en Phoenix, Arizona, Marion Crane no puede casarse con su amante, Sam Loomis, por la sencilla razón de no tener un peso para hacerlo. El destino pone en sus manos 40 mil dólares en efectivo, que su jefe le confía para depositarlos en el banco. Marion decide apoderarse de esa suma para comenzar con Sam una nueva vida en California. Durante su huida, una violenta tormenta la obliga a detenerse por la noche en un motel solitario. El dueño, Norman Bates, un joven tímido que diseca pájaros como hobby, vive con su anciana madre en una casa próxima de estilo gótico. La muchacha renta una habitación y será en el baño de la misma que encontrará la muerte a manos de la siniestra silueta. Crimen y castigo según Hitchcock.<br />
<br />
Pero hay más. Durante la cena que comparten Marion y Norman antes de que la joven se meta en el cuarto, podemos observar como el muchacho parece sentirse atraído por ella… Tal vez su forma de hablar, sus ganas de conquistar una vida mejor o ciertos gestos seductores despiertan en Norman sentimientos que sencillamente no puede permitirse sin que su madre se enfade por ello… Y a escondidas, a través de un pequeño orificio en la pared, verá como Marion se desviste y se apronta para la ducha. Las luces amarillas se encienden en el cerebro del dueño del motel. ¿O es en el cerebro de su mamá? Una mujer que se aventura sola por los caminos no puede ser otra cosa que una perdida. Crimen y castigo según la madre y el hijo.<br />
<br />
Cometido el asesinato, Norman queda desolado al ver el cadáver pero, leal a su madre, limpia con frenética minuciosidad el baño y hace desaparecer el cuerpo de Marion y, sin saberlo, los 40 mil dólares, al empujar su automóvil dentro de un estanque. Mamá puede dormir tranquila.<br />
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<b><i>A la sombra de la madre</i></b><br />
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Como ya lo había hecho en <i>Rebecca </i>varios años antes, Hitchcock hilvana la segunda parte del film gracias a un personaje al que no vemos pero cuya presencia en la trama no puede disimularse: la madre. Apenas la inferimos como una sombra en la ventana de la casa y en contadas oportunidades escucharemos su voz chillona dirigiéndose a su hijo. Sólo al final sabremos que ver al muchacho es ver a Norma Bates, la mujer que le transfirió una pesada carga desde la misma elección de su nombre. En los últimos minutos de la película, el doctor Richmond explica que Norman es un maníaco homicida que conservó el cuerpo embalsamado de su madre en la casa y que, en su esfuerzo por negar su matricidio, asumió su identidad, tras envenenar, ocho años antes a aquélla y a su amante.<br />
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La explicación final del psiquiatra sólo confirma lo que ya sabemos: que Norman Bates está alienado y por ello ha cometido un número de asesinatos que no se puede fijar. ¿Pero cómo ha llegado a ese terrible estado? ¿Puede una madre odiar tanto a su hijo que destruya de tal modo su vida?<br />
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Pero por otro lado, ¿es Norman Bates un pobre hombre que está dominado por su madre y que llegará a extremos alucinantes simplemente porque tiene una dualidad en su cabeza? Lo que quiere y lo que piensa él, ¿es lo que quiere y piensa mamá? Si bien parece no reprimir el odio hacia su progenitora y rebelarse interiormente contra ella, ¿por qué acepta su papel y actúa contra su propia voluntad?<br />
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Creo que podemos aventurar la hipótesis de que el personaje de Norman Bates (me refiero a su construcción psicológica, no a sus acciones) está basado en H. P. Lovecraft: un hombre solitario, enfermizo, con una fuerte carga emocional producto de su atormentada infancia al lado de una madre neurótica por el abandono de su marido, que en represalia a su odio contra los hombres, descarga en su hijo sus múltiples insatisfacciones hasta el grado de no dejarlo desarrollar su propia vida, manteniéndolo siempre “pegado a sus faldas”. Robert Bloch, el autor de la novela original, tenía a Lovecraft al tope de la lista de sus autores más admirados.<br />
<br />
Tratando de reconstruir la vida de Norman Bates, tenemos como punto de partida a una mujer que fue abandonada por su marido con un hijo pequeño, al cual tuvo que sacar adelante sola. Norma Bates concibe un odio irracional hacia los hombres, transmitiendo su neurosis a su hijo al someterlo a una relación de dominación total. De hecho, impide su crecimiento mental <i>“al martirizarlo con sentimientos de culpa, pues para lograr esta sumisión, lo ha educado con la creencia de que si algún día llega a abandonarla por otra mujer (al igual que lo hizo su padre), algo terrible sucederá”</i>. (1) La escena de la cena de Norman con Marion, cuando ésta insinúa que tal vez debería encerrar a su madre en un malcomió, deja traslucir esta idea de dependencia: si bien en un primer momento Norman se queja de la dominación, ante la posibilidad de romper esos lazos su mente se desboca, pues no puede ya concebir la vida sin la relación con su madre.<br />
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Además, no podemos olvidar que Hitchcock omite un factor fundamental que la novela de Bloch nos presenta explícitamente: la religión. La madre de Norman es una mujer frustrada sexualmente, que se refugia en la religión <i>“como una forma de evasión a sus pulsiones y transmite a su hijo la idea de que todo lo funesto de esta vida es consecuencia de excesos en el sexo, lo cual es un gran pecado”</i>. (2) Sin embargo, <i>“esta visión enfermiza de lo sexual conlleva una realidad mucho más depravada que la que se acusa: el incesto. La madre, al volcar todo su afecto en el hijo, ha propiciado un desarrollo torcido del complejo de Edipo, término psicoanalítico desarrollado por Freud para explicar la temprana atracción del niño hacia sus padres, el cual en la mayoría de los casos se supera con facilidad”</i>. (3)<br />
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En una de las mejores secuencias de la película, Lila Crane entra a la casa Bates en busca de la madre de Norman para interrogarla sobre el paradero de su hermana y, sin palabras, la cámara se convierte en nuestra mirada al recorrer las viejas habitaciones: la escalera; un cuarto de baño que parece salido de una estampa del siglo XIX; la habitación de la anciana madre donde se respira una atmósfera fuera del tiempo; la propia recámara del muchacho, llena aún de juguetes, con la cama de niño donde todavía duerme el hombre, con libros cuyos títulos no conocemos pero cuya naturaleza se insinúa con la azorada mirada de Lila al abrir uno que jamás se muestra en pantalla. En su recorrido, la cámara ha reflejado las tres personalidades que se encierran en la mente de Norman: la del adulto con motivaciones sexuales, la del niño que reprime esos impulsos y la de la propia madre.<br />
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Es de imaginar que, durante los largos años en los que Norman Bates vive solo con el cadáver disecado de su madre, todas sus manías se han exacerbado. Su sexualidad reprimida sólo se permite ser satisfecha por medio de la observación, del voyeurismo. Para esto, tiene un agujero en la pared de su oficina que va a dar a la habitación contigua. Gusta de mirar a las escasas jóvenes bellas que paran en su motel, a las que deliberadamente les proporciona ese cuarto con el objeto de espiarlas. Cuando Marion Crane decide alojarse, Norman titubea ante el manojo de llaves para decidirse por fin a entregarle la correspondiente al número 1. Tras la cena con la muchacha, que ha exacerbado sus deseos, la observa mientras se desnuda para tomar un baño. Y es entonces cuando convergen las múltiples personalidades de Norman: el hombre se siente excitado ante el cuerpo desnudo de la muchacha, pero el niño sabe que eso es pecado, que la mujer es mala porque lo ha tentado con su cuerpo y debe ser destruida. Pero ese ser infantilizado es demasiado débil como para llevar a cabo una empresa de esa magnitud, y debe ser por consiguiente la madre la que lo libre de esos terribles males, la que mate a la perra que lo ha perturbado.<br />
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<b><i>Mamita querida</i></b><br />
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El psiquiatra que da su diagnóstico al final no logra captar en su totalidad la horrorizante situación en que ha quedado el protagonista. En su primera declaración, menciona que su madre es la que siempre ha matado a las mujeres que lo trataban de pervertir o a quien trataba de hacerle algún daño. Pero su realidad última es aun más escalofriante: las tres personalidades de Norman se han fundido en una sola, en la de la madre. Pero es una madre buena e inocente, que ha sido víctima de un niño malo que mató a su amante y desenterró el cadáver, y de un hombre malo que la tenía encerrada y que, dominado por sus sucios deseos, mataba a las mujeres. Ella, la madre, es inocente, “incapaz de matar una mosca”, según el libro de Bloch.<br />
<br />
De un horror psicológico refinado que logra envolver al espectador, las soberbias escenas de Psicosis crean un lazo de simpatía con los personajes, primero con Marion, luego con Norman. Y tal vez en este punto se evidencia el macabro sentido del humor de Hitchcock, al hacernos sentir que lo sucedido con Norman puede pasarle a cualquiera de nosotros. Como diría el mismo Bates, “creo que todos nos volvemos un poco locos, a veces”.<br />
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<span style="font-size: x-small;"><i>NOTAS</i></span><br />
<span style="font-size: x-small;"><i>1. El oscuro mundo de Norman Bates. Lic. Lenina M. Méndez. España, 1999.</i></span><br />
<span style="font-size: x-small;"><i>2. Ibid.</i></span><br />
<span style="font-size: x-small;"><i>3. Enciclopedia de la psicología. Lic. Carlos Gispert. Océano, Barcelona, 1983, p. 7</i></span>Anonymoushttp://www.blogger.com/profile/06991016512325283029noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-1201840538304200607.post-972312918558018652014-11-24T22:35:00.001-08:002014-11-24T22:37:56.015-08:00Carrie: Ardiendo en el infierno<b><i>Con su primera menstruación, rompió una lamparita. Cuando la bañaron en sangre de cerdo, se llevó por delante a todo el pueblo. Y es que la hemoglobina la convierte en una fuerza de la naturaleza, un torbellino infernal capaz de crucificar a su madre con cuchillos dirigidos telepáticamente y de darle un falso susto, post mortem, fundacional, a la pobre Amy Irving. Hace unos días se cumplieron 38 años de su estreno, pero todavía asusta.</i></b><br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjc9ymqLv9m8NS2pUi8CTRIOkMt6i3DjUGFNLJ3Nl623gRP5gsS1SD3YV1zyL5M4byPzHvKm803QSjyVxLZeCW-BdNJBSa1QDeKlir6DPxSxASdHlj4dp2kdqjR6RFrnjH-Sd_uarczsr4/s1600/Carrie+002.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjc9ymqLv9m8NS2pUi8CTRIOkMt6i3DjUGFNLJ3Nl623gRP5gsS1SD3YV1zyL5M4byPzHvKm803QSjyVxLZeCW-BdNJBSa1QDeKlir6DPxSxASdHlj4dp2kdqjR6RFrnjH-Sd_uarczsr4/s1600/Carrie+002.jpg" height="320" width="214" /></a></div>
Stephen King escribió <i>Carrie</i>, su primera novela, en 1974 y el éxito conseguido provocó que de inmediato se planteara la conversión del libro al formato cinematográfico. Para tal fin, la United Artists contrató a Brian de Palma, que venía de ganar el Premio Británico En el Festival de Edimburgo de 1976 con su film <i>Obsession</i>.<br />
<br />
King estructuró la novela intercalando su propia narración con extractos de noticias periodísticas, encuestas, actas de juicios, libros de medicina, etc., que contribuyeron a dotar de verosimilitud los hechos que narraba. Lawrence D. Cohen, sin embargo, optó por la narración lineal a la hora de adaptar el relato al cine, aunque las diferencias entre ambas obras son escasas: en el relato de King, la madre de Carrie muere a consecuencia de un paro cardíaco provocado por la joven, mientras que los efectos devastadores que provoca su venganza alcanzan en el libro proporciones tan astronómicas (todo el pueblo en llamas, decenas de muertos, explosiones, manzanas enteras desaparecidas) que sin duda habrían resultado excesivas en el film.<br />
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Por lo demás, De Palma construye su película siguiendo fielmente una historia que le ofrece suficientes elementos como para desarrollar su talento cinematográfico más allá de los obligatorios golpes de efecto que requiere un relato terrorífico (en este sentido resulta ejemplar el tremendo shock final, que puede considerarse iniciador de toda una interminable serie de sustos <i>in extremis</i> dentro del género).<br />
<br />
Se ha dicho a menudo que las connotaciones religiosas de <i>Carrie </i>no tienen nada que ver con la imaginación visual de De Palma, mero ilustrador de un argumento ajeno. No obstante, es el director de Nueva Jersey quien asesina al personaje de la madre con una crucifixión (nada mejor para una auténtica fanática religiosa), acribillándola a cuchilladas y mostrándola en postura idéntica a la de la imagen de San Sebastián que guarda en el cuarto oscuro donde castiga a su hija. Evidentemente se trata de una muestra más del barroquismo del realizador, pero también de su interés por acentuar los aspectos religiosos de la historia. De hecho, la simbología en este sentido se sucede sin descanso, ya proceda del material literario original o del sentido visual de De Palma, desde el carácter iniciático de la menstruación de Carrie, detonante de todos los hechos posteriores (magníficamente rodada), hasta el bautismo macabro que recibe la joven cuando le cae encima el balde de sangre.<br />
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Independientemente de la calidad del material literario de King, <i>Carrie </i>es una de las mejores adaptaciones de su obra gracias a que De Palma convierte la historia en uno más de sus argumentos. Como el director reconoció, <i>«una historia como la de Carrie me permite optar por el estilo más barroco que se pueda imaginar»</i>. No solo aporta soluciones argumentales de cosecha propia, sino que además condiciona la acción a su estilo visual, utilizando algunos de sus recursos habituales, aunque no siempre con idénticos resultados.<br />
<br />
La cámara lenta, tanto en la coronación de Tommy y Carrie como en la escena inicial en las duchas, tiene una función dramática contundente, alargando las secuencias casi hasta la exasperación y creando un clima malsano, de expectativa de tragedia desconocida, que funciona de forma soberbia. En ambos casos, cuando la acción recupera su velocidad normal, sobreviene el desastre (la furia desatada en la fiesta y la burla en las duchas). En cambio, la utilización de la pantalla dividida en la escena de la masacre, sin bien sobrecoge no resulta tan efectiva, como el propio director reconoció posteriormente.<br />
<br />
En la mayoría de sus primeras obras, De Palma hacía uso del <i>split screen</i> para mostrar dos puntos de vista de la misma acción de manera simultánea. Si bien acertó en algunas ocasiones no sucedió lo mismo con <i>Carrie</i>, donde la división de la pantalla tiende a dispersar la atención del espectador. Además, resulta imposible apartar la vista de la impactante imagen de Carrie bañada en sangre, con sus grandes y blancos ojos abiertos desmesuradamente.<br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEijLe9N-Qrsi-OieqrFz1jTlIeSpz504QLzx6epeNsZzk1YCEWvdYEao0yte48bwV56jOEm7DIepHLMxfee1A_QuoRbu5OxDIKHhC0uM_cSbH9fLcT26dcuPPnmEGm-qfSvYaPOq0luMW8/s1600/Carrie+010.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEijLe9N-Qrsi-OieqrFz1jTlIeSpz504QLzx6epeNsZzk1YCEWvdYEao0yte48bwV56jOEm7DIepHLMxfee1A_QuoRbu5OxDIKHhC0uM_cSbH9fLcT26dcuPPnmEGm-qfSvYaPOq0luMW8/s1600/Carrie+010.jpg" height="178" width="320" /></a></div>
La fotografía de Mario Tosi, con quien De Palma no volvería a trabajar, abunda en tonos que contribuyen a crear una atmósfera sucia e irreal, mientras que la música de Pino Donaggio (en su primera colaboración con De Palma, tras el fallecimiento de Bernard Herrmann) le calza a la película como un guante.<br />
<br />
Otra de las grandes e indiscutibles virtudes de <i>Carrie </i>es Sissy Spacek, magnífica en el papel de la jovencita apocada que paulatinamente se hace consciente de sus poderes telequinésicos y acaba sembrando la destrucción en una sangrienta venganza que termina con otra acción simbólica: el asesinato de la madre. Spacek no era ya una adolescente (contaba 27 años, aunque <i>Carrie </i>era sólo su quinta película), pero su físico se adaptó perfectamente al personaje, por el que obtuvo una nominación al Oscar, además de verse beneficiada con el gran éxito que consiguió el film, un claro ejemplo de producto terrorífico resuelto con brillantez, altamente rentable y que hoy todavía es capaz de poner los pelos de punta.<br />
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<b>Ficha técnica:</b><br />
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<b>Título original:</b> Carrie (Estados Unidos, 1976)<br />
<b>Dirección:</b> Brian De Palma. <b>Producción:</b> United Artists.<br />
<b>Guión:</b> Lawrence D. Cohen, según la novela de Stephen King.<br />
<b>Fotografía:</b> Mario Tosi. <b>Dirección artística:</b> William Kenny y Jack Fisk.<br />
<b>Música:</b> Pino Donaggio. <b>Montaje:</b> Paul Hirsch.<br />
<b>Efectos especiales:</b> Gregory Auer. <b>Duración:</b> 94 minutos.<br />
<b>Intérpretes: </b>Sissy Spacek (Carry White), Piper Laurie (Margaret White),<br />
Amy Irving (Sue Snell), Nancy Allen (Chris Hargenson), William Katt (Tommy Ross),<br />
John Travolta (Billy Nolan), Betty Buckley (Srta. Collins), P.J. Soles (Norma Watson),<br />
Sydney Lassick (Sr. Fromm), Michael Talbot (Freddy), Cameron De Palma (niño de<br />
la bicicleta).<br />
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Anonymoushttp://www.blogger.com/profile/06991016512325283029noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-1201840538304200607.post-91473515584913548282014-10-17T12:18:00.000-07:002014-11-24T22:38:27.276-08:00Coleccionismo: A la caza del tesoro perdido<b><i>Discos de pasta o vinilo con las voces de Gardel o Mick Jagger, revistas «Caras y Caretas», figuritas de jugadores de fútbol, autitos y hasta lápices. Cualquier cosa tiene cabida en el alma (y en los estantes) de un coleccionista. Una raza que, sorteando las crisis económicas con envidiable pericia, se niega a desaparecer.</i></b><br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhZE77wKYVZ7BtQBwtuVdoywEnNKg8WWQIJ4va0c6Ott0hOJcvWiaaenSSQFLlRzumIOHGD7MpqNVqG_13UT1VTQ5Ue7ToRZaXlmYwSEabbR-XQNXRQPhFR9rMQlmzSzitotljvYl-C2LA/s1600/Coleccionismo+001.JPG" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhZE77wKYVZ7BtQBwtuVdoywEnNKg8WWQIJ4va0c6Ott0hOJcvWiaaenSSQFLlRzumIOHGD7MpqNVqG_13UT1VTQ5Ue7ToRZaXlmYwSEabbR-XQNXRQPhFR9rMQlmzSzitotljvYl-C2LA/s1600/Coleccionismo+001.JPG" height="213" width="320" /></a></div>
A una edad imprecisa, pero que casi siempre coincide con el colegio secundario, cierta clase de humanos se pregunta: ¿qué estoy haciendo aquí? En principio, esa pregunta se circunscribe al entorno (escolar, casi siempre): ¿qué estoy haciendo aquí, escuchando cuántas ramificaciones tiene el río Pilcomayo? Y no pasa mucho antes de que la misma persona se pregunte: ¿qué estoy haciendo aquí en la vida? Puede que esa persona nunca encuentre la respuesta, pero descubrirá que a esa vida puede administrarle placeres, amores, victorias, luchas y –por qué no– una colección de cualquier cosa. Víctor González, psicólogo y coleccionista de revistas de comics, dijo una vez que<i> «en una colección, el ser humano hallará un porcentaje del sentido de la vida. Y los objetos que colecciona, que no lo alimentan, que no lo abrigan, que no le son útiles, le brindan lo que ninguna persona ni situación: el sentimiento de pertenencia absoluta»</i>.<br />
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Muchos de los coleccionistas con los que hablé sostienen que el espacio que viene a llenar en el hombre una colección puede comenzar por ser afectivo. Parece ser que en la adolescencia, cuando no tenés pareja, la colección ocupa el lugar de algo que te acompaña (dicho esto sin el menor menosprecio por el sexo femenino, of course). Pero la prueba de fuego es cuando se consigue pareja: si continuás coleccionando es porque sos un coleccionista de verdad. Aunque tu mujer (o marido, madre, amigo o hermana) te mire con cara de «pobrecito, ¿no?» y piense que sos poseedor de una regresión infantil en grado avanzado.<br />
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<b><i>La vida por Supergirl</i></b><br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgO_foFGsz5ABfI9QHFu0a0NsLuOgxEE-hQfArsmql8A68ZWuHNw_1t7rQ0h85oSRSfHn-_y5-XR5G5ygP_ZnJNPOb_hE9nBdvcLkEX-UhvtlGVYI7Zg5NvKNM_CEnkOxSU25fgB2uneKU/s1600/Coleccionismo+003.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgO_foFGsz5ABfI9QHFu0a0NsLuOgxEE-hQfArsmql8A68ZWuHNw_1t7rQ0h85oSRSfHn-_y5-XR5G5ygP_ZnJNPOb_hE9nBdvcLkEX-UhvtlGVYI7Zg5NvKNM_CEnkOxSU25fgB2uneKU/s1600/Coleccionismo+003.jpg" height="320" width="253" /></a></div>
Del mismo modo que existen fanáticos que pueden transformar cualquier cosa –desde clavos a caracoles– en el objeto de sus desvelos, no es menos cierto que existen objetos muñidos de propiedades para transformar a ciertos hombres en fanáticos. En ese sentido, las revistas de historietas (los queridos comics) parecen radiactivas. En un escrito autobiográfico, Ray Bradbury comentaba haber abandonado su completa colección de un superhéroe de historietas cuando cursaba el séptimo grado y evitar así que el grueso de sus compañeritos lo tachara de infantil. Años después, ya adulto, recuperó íntegra su colección.<br />
<br />
Para la gran mayoría de los coleccionistas con los que he tratado a lo largo de tantos años, parece ser que la vida del coleccionista se divide en dos etapas. La primera comienza desde tiempo inmemorial y se corta a los doce años. Y recién reencontrás el interés entre los 18 y los 22 años, cuando ya perdés toda pretensión de que pueda haber una forma normal de vivir.<br />
<br />
Pero el caso más extraordinario es el de un amigo mío –que ya pasó los 50–, que realizó un periplo casi calcado al de Bradbury.<i> «Dejé de coleccionar a los 13 años. Tenía todas las de Superman, Batman, etc., pero comencé a sentir que la colección se contradecía con esa bendita pregunta de ‘¿qué querés ser cuando seas grande?’ Así que terminé regalando todas las revistas a una iglesia. No es que fueran sagradas, pero casi… No quería venderlas y me pareció que le podían servir a otra gente»</i>. Un domingo, ocho años después de haber dejado sus historietas en la iglesia, este amigo iba caminando con su padre por el Parque Rivadavia y vio una revista que anunciaba en su tapa la muerte de Supergirl. <i>«¡Me volví loco! ¿Cómo me iban a matar a Supergirl? Que yo la regalara, pase. ¡Pero que la mataran! La compré para enterarme y, desde entonces hasta hoy, no pude ni quiero parar de comprarlas»</i>.<br />
<br />
<b><i>De todo, como en botica</i></b><br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj5uEm3HV-9k1uCFUsSsnDSloFk7DYO3Du_5bAADoYWMBOnRSpQjA_q4G1jBnIs67qEDDuQXPFlD71wgoBDsBHAyT4Pc8Ol92B5SIB8YU8W7JC2xU-cLei5Zy2n-dlEygxuYbAr7fgkQW4/s1600/Coleccionismo+004.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj5uEm3HV-9k1uCFUsSsnDSloFk7DYO3Du_5bAADoYWMBOnRSpQjA_q4G1jBnIs67qEDDuQXPFlD71wgoBDsBHAyT4Pc8Ol92B5SIB8YU8W7JC2xU-cLei5Zy2n-dlEygxuYbAr7fgkQW4/s1600/Coleccionismo+004.jpg" height="208" width="320" /></a></div>
Cuando se dice que hay coleccionistas para todo se sabe de lo que se habla. Y así, coleccionistas de historietas, de discos, de estampillas, de latas, de figuritas, coinciden en inventar valores propios, sin posibilidad de cambio en otro mundo que no sea el suyo. La más rara lata de gaseosa puede no valer un céntimo para un numismático y la marquilla de cigarrillos más preciada por un obsesivo adolescente de Morón puede ser arrojada sin reparos a un canasto de basura en Estambul por un ciudadano que no siente el menor respeto por los envases de cartón. Y si los tesoros le plantean al grueso de la humanidad problemas cuantitativos (largos viajes, exhaustivas búsquedas, poderosas inversiones), el coleccionista realiza la tarea de decidir por él mismo qué es un tesoro y responder así la gran pregunta: ¿a qué consideramos un tesoro?<br />
<br />
Particularmente, pienso que el coleccionismo no se puede explicar. Te pasa o no. Es difícil decirle a alguien que pagaste 200 dólares por un pedazo de papel. Pero en pocas palabras es querer atrapar en parte tangible el paso del tiempo con objetos o cosas que te generaron y generan sentimientos.<br />
<br />
Y aquí tal vez reside una de las claves del coleccionismo: el valor de la mercancía está determinado por una cantidad de variables que –en el caso que nos ocupa– no pasan por el trabajo invertido en su hechura. Para los coleccionistas, el valor tiene que ver con la cantidad de misterio que un objeto puede contener, con las emociones que ese mismo objeto le genere, con el placer de poseer algo muy buscado por otros y que sólo está en nuestro poder y también con el grado de «calentura» que tengamos por adquirir algo.<br />
<br />
<b><i>El cuento de nunca acabar</i></b><br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjRw12BtgrGJHQL7_Vel6h7eD5ML5O-uVbkjCyoPQV0Gmegy0S0T7L8UDOzw6DVQZr2TLeDqCkzQ_5ABWNH1PUfYXWrJZjr2KlK2p1y-magNREauw-gG9yG8uZzuEHsgDZN2MUmwFb9DQQ/s1600/Memorabilia_008_Total1.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjRw12BtgrGJHQL7_Vel6h7eD5ML5O-uVbkjCyoPQV0Gmegy0S0T7L8UDOzw6DVQZr2TLeDqCkzQ_5ABWNH1PUfYXWrJZjr2KlK2p1y-magNREauw-gG9yG8uZzuEHsgDZN2MUmwFb9DQQ/s1600/Memorabilia_008_Total1.jpg" height="240" width="320" /></a></div>
<i>«La colección fue en aumento; la casa fue quedándose pequeña. Para hacer hueco para sus objetos, Heepish fue prescindiendo de mobiliario. Llegó el día en que ya no quedaba sitio para la señora Heepish. La Novia de Frankenstein la estaba desplazando. Ella conocía la inutilidad de solicitar siquiera un alto a la recolección, y una disminución era algo impensable. Se mudó y obtuvo el divorcio acusando como rival a la Criatura de la Laguna Negra»</i>. Philip José Farmer sabía de lo que hablaba cuando escribió estas palabras en ‘La Imagen de la Bestia’.<br />
<br />
Y aunque los objetos que se coleccionan sean diametralmente opuestos, casi se puede afirmar que las almas de los coleccionistas son similares entre sí, ya que hay puntos de contacto entre quien se desgañita por conseguir una edición rara en vinilo de Joan Baez y quien lo da todo por una bayoneta utilizada contra cualquier ser humano en la guerra de Vietnam. El coleccionista siempre será admirado no ya por la extraña pieza que haya conseguido sino por la extraña magia que es capaz de insuflarle a cualquier objeto.<br />
<br />
Y como nada detiene a los que coleccionamos –y siempre puede aparecer algún objeto por el que daríamos gustosos la vida– no quiero cerrar este comentario sin contarles que atesoro objetos relacionados con los Beatles, con el cine, comics, libros y revistas de épocas pretéritas y hasta las figuritas con las que me supe entretener con mis compañeritos de la escuela primaria. Y que estaré eternamente agradecido con aquel desprendido que quiera colaborar con mi locura.<br />
<br />
Todavía puedo deshacerme de algunos muebles.Anonymoushttp://www.blogger.com/profile/06991016512325283029noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-1201840538304200607.post-51881998279776004022014-10-02T10:00:00.000-07:002014-10-02T10:00:05.298-07:00145 años del nacimiento de Mahatma Gandhi<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgm1s6cbopbgmlL6yijRXHLicUNCn0VfpDuFyCU1l8FW8EoAV887_z6N4j8hgACMxE2Fzs110n9r4RodotpFgxOhT-816DEHtcgb39gnmRrjPJBv86UhE4kv9M-oR8fhlR7ncvi-hox6d8/s1600/Gandhi+003.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgm1s6cbopbgmlL6yijRXHLicUNCn0VfpDuFyCU1l8FW8EoAV887_z6N4j8hgACMxE2Fzs110n9r4RodotpFgxOhT-816DEHtcgb39gnmRrjPJBv86UhE4kv9M-oR8fhlR7ncvi-hox6d8/s1600/Gandhi+003.jpg" height="156" width="400" /></a></div>
<br />Anonymoushttp://www.blogger.com/profile/06991016512325283029noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-1201840538304200607.post-76157759397505531902014-09-29T09:42:00.000-07:002014-09-29T09:42:16.422-07:00Mafalda cumple 50!<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgMEIMWWWo2DF0f9Y0YymnXWX5OMwg8ILMyedauFdo83GN3fhk0VNufr0UHf0kUcwAWrxLMFtb-OP8RyhyNTzCY0vwrNhtJvSlSUIOADRYL7pZrR7bG4nXOr0tn7YSXLANBXUt4MletdvY/s1600/Mafalda+006.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgMEIMWWWo2DF0f9Y0YymnXWX5OMwg8ILMyedauFdo83GN3fhk0VNufr0UHf0kUcwAWrxLMFtb-OP8RyhyNTzCY0vwrNhtJvSlSUIOADRYL7pZrR7bG4nXOr0tn7YSXLANBXUt4MletdvY/s1600/Mafalda+006.jpg" height="320" width="291" /></a></div>
El 29 de septiembre de 1964, Mafalda, la tira cómica creada por Quino, es publicada por primera vez en Argentina en la revista "Primera Plana". Y no deja de llamar la atención que sus comentarios y ocurrencias -espejo de inquietudes sociales y políticas de los años sesenta y setenta- tengan plena actualidad en los tiempos que corren.Anonymoushttp://www.blogger.com/profile/06991016512325283029noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-1201840538304200607.post-54157981906732116562014-09-23T10:58:00.001-07:002014-11-24T22:38:55.547-08:00Stephen King: Universos de terror<b><i>En realidad nunca se fue pero, desde librerías, kioscos, videoclubes e Internet, Stephen King nos invade con sus obras de terror para amigos y enemigos. Desde su primera y brillante «Carrie» -que le convirtió en la nueva fuente de escalofríos y dólares de las cuatro últimas décadas- hasta novelas mas o menos recientes como «Joyland» o «Doctor Sleep» (secuela de «El Resplandor»), pasando por favoritos de todos los niños como «Tommynockers» e «It», cualquier momento es bueno para meternos de lleno en el mundo escalofriante que nos propone el Rey del Terror.</i></b><br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg409x9y0H3p54pdPD3_GNNv0cH4xeRuIptAWMWtNmcpGA3nvM5djOK7JjnnrsGcZ6cCD2ugLHXf3C_sMWmUTSl7PEU5hlGGaaVJw61TZYRCWvSu6SCEvWBuAIlHgqr0yVEHcMCckEmT-4/s1600/Stephen+King+001.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg409x9y0H3p54pdPD3_GNNv0cH4xeRuIptAWMWtNmcpGA3nvM5djOK7JjnnrsGcZ6cCD2ugLHXf3C_sMWmUTSl7PEU5hlGGaaVJw61TZYRCWvSu6SCEvWBuAIlHgqr0yVEHcMCckEmT-4/s1600/Stephen+King+001.jpg" height="320" width="253" /></a></div>
Y es que leer a Stephen King, como ser fan de Star Trek, aficionado a los juegos de rol, fanático de El señor de los anillos y similares, se ha convertido en una profesión de tiempo completo. Poco a poco, el volumen de la obra de este killer profesional del terror va adquiriendo el aspecto amenazador de las obras completas de Balzac, Dickens o Tolstoi. Así que, por si alguien se encuentra apabullado por el infinito número de páginas escritas por Stephen King, aquí va una personal (muy personal) lista de las indispensables:<br />
<br />
<b>Cementerio de Animales</b> (Pet Sematary) - Tal vez la mejor. Dura, terrorífica, filosófica, lovecraftiana y sin piedad alguna para con el lector o los protagonistas. Zombis, amor, muerte y leyendas indias.<br />
<br />
<b>La Hora del Vampiro</b> (Salem’s Lot) - Un novelón de vampiros cruzado con Edgar Poe. Sigue siendo la mejor novela de chupasangres modernos, muy por encima de las diferentes variantes propuestas por Anne Rice en su Entrevista con un Vampiro o por Stephenie Meyer en la saga Crepúsculo.<br />
<br />
<b>Carrie</b> - La obra seminal del nuevo terror adolescente de los años ‘80. Una eficaz y sensible introspección en el alma femenina juvenil y sus complejos. El rey se convierte en Stephen Queen.<br />
<br />
<b>El Resplandor</b> (The Shinning) - Una de las mejores novelas de caserón encantado del terror moderno. Aunque demora un poco en entrar en materia, cuando lo hace te arrastra.<br />
<br />
<b>La mitad siniestra</b> (The dark half) - Las confesiones inconfesables de King, cada vez más dividido entre su profesión de asustar niños y grandes y sus pretensiones de autor serio que aquí, a su personaje (su doble, en realidad) casi le cuesta la vida.<br />
<br />
<b>Christine</b> - La historia del automóvil con vida propia que se dedica a pasarle por encima a las personas desprevenidas se convirtió en uno de los grandes éxitos literarios de King y en uno de los errores más vergonzosos de la carrera de John Carpenter, director responsable de su traspaso al cine.<br />
<br />
<b>Misery </b>- Si la película fue bárbara, el libro es mejor. Hasta podemos respirar la claustrofóbica atmósfera propuesta por la enfermera demente. Y nos duelen las mutilaciones.<br />
<br />
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiq3liojEBu8XUzfpouh7V4cKFNhVi3X6jVD0SR64kX09gSXGo-_VEtddX21Xc19XYNqwoKYfXmHigzwfj4dO3T5aJqilcTjlExM_fqc1h_baS_qkPIHEwZ3yPJXQEUa55bxlMGOFH3Hfc/s1600/Carrie+001.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiq3liojEBu8XUzfpouh7V4cKFNhVi3X6jVD0SR64kX09gSXGo-_VEtddX21Xc19XYNqwoKYfXmHigzwfj4dO3T5aJqilcTjlExM_fqc1h_baS_qkPIHEwZ3yPJXQEUa55bxlMGOFH3Hfc/s1600/Carrie+001.jpg" height="320" width="242" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Sissy Spacek a punto de llevarse por<br />
delante a todo el pueblo en "Carrie"</td></tr>
</tbody></table>
El primer fulgor de Stephen King trajo junto a su deslumbrante estrellato un renacer de la novela de terror moderna, un renacer que, por lo visto, no ha soportado los años ‘90 y mucho menos la llegada del nuevo milenio. Es cierto que a King le siguen leyendo niños, grandes, ancianos y psicópatas de todo tipo, pero su éxito es absolutamente personal e intransferible.<br />
<br />
La pasión por King es como la pasión por Elvis (que puede y debe excluir a Gene Vincent, Bill Halley y Carl Perkins), por los Beatles (que prescinde de los Rolling, de los Who y de Dios) o por Tolkien (que pasa de La Iliada). Un fenómeno marciano y unipersonal.<br />
<br />
<b><i>King en cine: póker de ases</i></b><br />
<br />
De todos los hijos de Stephen King que saltaron de la letra y el papel a la pantalla grande (y fueron muchos) brillan, a mi entender, cuatro títulos. Para verlos una y otra vez:<br />
<br />
<b>Carrie </b>(Brian de Palma, 1976) - La historia del patito feo que no tuvo tiempo de convertirse en cisne. Eso, matizado con una buena dosis de menstruaciones, delirios religiosos, cine teenager, fiestas de graduación y un poco de sangre de cerdo, convirtió al primer best-seller de King en una obra mayúscula firmada por un De Palma descontrolado, aún no contaminado por las manías gratuitas que pudrieron algunos de sus filmes posteriores.<br />
<br />
<b>Cuenta conmigo</b> (Rob Reiner, 1986) - Interesante sobre todo por ser la única adaptación de una obra de King poco fantástica (The Body, para más señas), este film demuestra como Reiner, aplicado e irónico artesano, puede sacar punta a una insulsa historia de niños-que-se-inician-en-la-vida-adulta, y convertirla en una ingenua pero agradable visión de la adolescencia. Su abundante honestidad le perdona algunos toques cursis. Juventud, divino tesoro...<br />
<br />
<b>Cementerio de animales</b> (Mary Lambert, 1989) - En este caso, la directora orquestó una ficción morbosa e intranquilizadora que, a pesar de sus momentos bajos (que los tiene), llegaba a donde tenía que llegar: a nuestros miedos más primarios y descorazonadores. Un gran acierto: un Pepe Grillo del más allá que hace de voz de la conciencia del protagonista.<br />
<br />
<b>Misery </b>(Rob Reiner, 1990) - En este particular ensayo sobre el dolor de la creación literaria, King<br />
excomulgaba todos los demonios de su sucia alma, y se disculpaba por vender tantos libros y tener la intención de seguir haciéndolo. Reiner se limitaba, pues, a ser un ilustrador de esta obra de teatro encubierta y montada por dos actores excelentes, que se insultan, se atacan, se aman y se pelean, uno intentando salvar su pellejo de escritor arrepentido de sus éxitos y otra -ella- intentando resucitar una heroína de novela que ha hecho más llevaderos sus días psicopáticos.<br />
<br />
<b>1408</b> (Mikael Håfström, 2007) - Basada en un cuento corto homónimo de King y protagonizada por John Cusack y Samuel L. Jackson, la película narra la historia de un escritor que es testigo de sucesos sobrenaturales en la habitación de un hotel. La idea de dotar a la habitación de una inteligencia capaz de hacer que todos los demonios interiores afloren es uno más de sus grandes aciertos del film. Los recuerdos y el fantasma de su hija fallecida martillean sobre la cabeza del escritor haciendo que no diferencie la realidad de las trampas que la habitación le tiende.<br />
<br />
<b><i>Videodrome, videoking</i></b><br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiNEHhajzqiTTBPxfgRFG9ftgKMHr4u4RL0hPsJ4jgqekoy5B6vJsT8QGbp-wf2KwOagBOI0g1xeJ6e0ijGras8P2WLLx_N6XEFpxsi0AE9yrhh0Z__sbC3JdsjKl46z3u8xAFwOIfxyvM/s1600/Cujo+01.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiNEHhajzqiTTBPxfgRFG9ftgKMHr4u4RL0hPsJ4jgqekoy5B6vJsT8QGbp-wf2KwOagBOI0g1xeJ6e0ijGras8P2WLLx_N6XEFpxsi0AE9yrhh0Z__sbC3JdsjKl46z3u8xAFwOIfxyvM/s1600/Cujo+01.jpg" height="320" width="226" /></a></div>
La otra fuerza invasora dirigida con implacable puntería hacia los kingnianos es la serie de películas que pasaron por el cine sin pena ni gloria y que luego fueron editadas en video y -más acá- en DVD. En este último caso, pobladas de «bonus track» para que el espectador pueda solazarse adentrándose en la tortuosa mente del escritor.. Pero, independientemente de los títulos más reconocidos (<i>Carrie</i>, <i>Misery</i>, <i>Cementerio de animales</i>, etc.) y para solaz de los adictos al cine visto en casa, aquí va un listado de las obras menos conocidas, todas ellas adaptaciones a la pantalla del universo del Maestro:<br />
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<b>Cujo </b>(Lewis Teague, 1983) - Tan incapaz de levantar el entusiasmo como la novela, mantiene sin embargo el suspenso a base de buena dirección y trucos. Teague dejó a un lado la diatriba al adulterio que ocupaba muchas de las páginas del libro para potenciar lo que en verdad interesaba en una cinta de terror psicológico: una madre y su hijo encerrados en un coche a merced de un dinosaurio-San Bernardo rabioso, dispuesto a amargarles su american way of life. No se le puede pedir más a un perro.<br />
<br />
<b>Los ojos del gato</b> (Lewis Teague, 1985) - Un film de episodios correcto y agradable que explora el lado hitchcockniano de King. Y la posibilidad de ver a Drew Barrymore cuando todavía era una niña inocente.<br />
<br />
<b>Creepshow</b> (George A. Romero, 1982) - El primer encuentro entre el inventor del zombi postmoderno y el creador del terror actual. Un homenaje a sus fuentes comunes (los comics), con un film de episodios simpáticos. De todos, destaca un relato antológico, magnífico, en el que unas cucarachas invaden el limpio territorio de un obsesivo urbanita.<br />
<br />
<b>La zona muerta</b> (David Cronenberg, 1983) - El primer film americano del director canadiense y una buena adaptación del universo King. La historia con punto de partida médico -muy del agrado de Cronenberg- deriva, como la novela, hacia el thriller. El director imprimió su mirada cínica, fría y atormentada en una cinta trágica y angustiosa, que habla tanto de la imposibilidad de querer como de la presencia invisible de la muerte en cada recoveco de nuestra mente y de nuestra vida. Porque tras la mirada de ese profesor de literatura interpretado por un espléndido Christopher Walken sólo hay desolación y monstruosidad.<br />
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<b>La resurrección del mal</b> (Adam Grossman, 1995) - Tomando unos personajes creados por el rey (ni recuerdo dónde), el director consigue un film competente con mucha sangre y algo de satanismo y sexo.<br />
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<b><i>Sustos en la pequeña pantalla</i></b><br />
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Si las adaptaciones cinematográficas de la obra de Stephen King han sido legión, las incursiones dentro de la televisión tampoco se han quedado cortas. En 1979, Tobe Hooper dirigió a David Soul (aquel de la serie Starsky y Hutch) en una producción para la CBS de cuatro horas de duración dividida en dos capítulos de dos horas, bautizada con el nombre de <i>«El misterio de Salem’s Lot</i><i>»</i>. Una de las constantes del trabajo de King, la del escritor confundido como protagonista, se unía a una trama infestada de sustos garantizados y misterios vampíricos. Basada en la novela La hora del vampiro, es, hasta la fecha, la adaptación televisiva más razonable y entretenida.<br />
<br />
No sería hasta 1990 cuando un texto original del exitoso novelista sufriera de nuevo el traspaso a formato miniserie.<i> «It»</i>, producida por la cadena norteamericana ABC -al igual que todas las adaptaciones siguientes-, resultó un divertimento discreto del que cabe destacar la maliciosa interpretación de Tim Curry (The Rocky horror picture show) como el payaso de Mc Donalds que aterra a ese puñado de niños con forma de adultos que nunca llegaron a crecer.<br />
<br />
A esta le siguió <i>«Los Tommyknockers»</i> (1993), una torpe historia de fuerzas alienígenas con doce millones de dólares de presupuesto, olvidable a todas luces a excepción de las intervenciones del siempre correcto Jimmy Smits y de la sustanciosa ex-reina del cine porno Traci Lords. Posteriormente, <i>«Apocalipsis»</i>, acaso la novela más ambiciosa de King, fue trasladada a imagen real por el director Mick Garris que nos ofrece aquí su creación más lúcida. Inusualmente, dado que se trataba de un producto para la TV, el reparto de <i>«Apocalipsis»</i> era fenomenal: Molly Ringwald, Gary Sinise (el teniente lisiado de Forrest Gump), Rob Lowe, Laura San Giacomo, Ruby Dee y Matt Frewer.<br />
<br />
<i>«Los Langoliers»</i>, dirigida por Tom Holland y con cuatro horas de duración, fue otra de las adaptaciones realizadas en los años ‘90. Una base literaria aburrida y pobres efectos digitales la convirtieron en un producto regular del que sólo se salvó la correcta actuación de Brent Spiner (Star Trek: La nueva generación). Y en 1997, <i>«El resplandor»</i>, el relato de King que Stanley Kubrick popularizara con su polémica versión cinematográfica, fue llevado a la televisión mediante una nueva miniserie.<br />
<br />
El director de «La naranja mecánica» había realizado una versión bastante sui generis del texto de King, obviando ciertos elementos que para el novelista eran esenciales, y alterando su final. Diecisiete años después, Jack Torrance, el turbulento escritor alcohólico que en el pasado interpretase Jack Nicholson, se reencarnó en la figura del actor Steven Weber para cuidar de nuevo a los espíritus del Overlook Hotel junto a la siempre suculenta Rebecca de Mornay. Así, El resplandor tuvo otra oportunidad para pasar a imagen real tal como su creador la concibiese, a través de una miniserie de seis horas de duración.<br />
<br />
Para asegurarse de que la película fuese de su agrado, King se encargó de firmar el guión y, además, eligió nuevamente al director Mick Garris para la adaptación. Pero, a pesar de todos los cuidados, la nueva versión de El resplandor resultó bastante aburrida: el largo del metraje pareció superar al director; nadie se enganchó con el personaje de Weber, quien hizo extrañar demasiado a Nicholson, y -para cerrar el cuadro- al film le costaba arrancar casi dos horas para que, al final, todo se precipitase de mala manera.<br />
<br />
Ya en el nuevo milenio, las actuales series «Haven» (basada en «Colorado Kid», novela del 2005) y «Under the Dome» (basada en la novela homónima del 2009) son dos intentos muy válidos de llevar a la TV la obra de King que, en ambos casos, se reservó para sí el papel de productor para poder supervisar que las historias que se narran sean congruentes con lo que él escribió. Con cinco y tres temporadas en sus espaldas, ambas series consiguieron una importante aprobación de los seguidores de King.<br />
<br />
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<br />
Si algo le podemos conceder a King es el haberle dado masividad a dos géneros que -todavía hoy- son considerados «menores» por la «alta cultura»: el suspenso y el terror. Con textos trepidantes, aterradores en algunos casos, con esa forma de narrar, como de hermano mayor y experimentado que te habla como a un confidente, (para mí, uno de sus principales valores), manejando como pocos la ventaja de saber que ningún lector se atreverá a soltar el libro sin averiguar cómo se resuelve el asunto principal y -sobre todo- enseñándonos que el terror puede ser cualquier objeto de uso cotidiano que tengamos en nuestros hogares, King ha saltado la barrera de «literatura para adolescentes"» hace ya tiempo aunque deberá demostrar hasta su último día que no sólo es una máquina de hacer "best-sellers": <i>«Leo cuatro horas al día y escribo cuatro horas al día. Si no encuentras el tiempo para hacerlo no podrás convertirte en un buen escritor.»</i><br />
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Anonymoushttp://www.blogger.com/profile/06991016512325283029noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-1201840538304200607.post-7029819167915810922014-09-19T15:19:00.000-07:002014-09-19T15:19:05.780-07:00Rick Wright: El diamante del piano<br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhd76Jtdq52vpLIdgRhRvkrvPKbYh4FM1kcRxYJswH-QRB360-HRFCatEFDjZr5HxREi-ypRv6q_6CZh2Z-oJ4s5yeeqWYq0qa3BpaI9w_NEcHoOaHUX20xeHU2_ZCi9EkHF5nQM81Ews8/s1600/Richard+Wright+001.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhd76Jtdq52vpLIdgRhRvkrvPKbYh4FM1kcRxYJswH-QRB360-HRFCatEFDjZr5HxREi-ypRv6q_6CZh2Z-oJ4s5yeeqWYq0qa3BpaI9w_NEcHoOaHUX20xeHU2_ZCi9EkHF5nQM81Ews8/s1600/Richard+Wright+001.jpg" height="320" width="215" /></a></div>
El primer –y uno de los mejores– disco de Pink Floyd, «The Piper at the Gates of Dawn», de 1967, empieza con un tema formidable, <i>Astronomy Domine</i>. La primera voz es del tecladista del grupo, Richard Wright. En ese Floyd primigenio, el compositor casi absoluto, guitarrista y cantante era el «diamante loco», Syd Barrett, que se valió primordialmente de un órgano Farfisa –complementado con un dispositivo de eco– para plasmar los climas del por entonces incipiente sonido psicodélico que se convirtieron en sello de la banda que años más tarde vendería millones –sin Barrett– con uno de los álbumes que más tiempo ocuparon el primer puesto del ranking de Billboard, «The Dark Side of the Moon», raro caso de un Nº 1 durante más de 700 semanas consecutivas. En ese primer glorioso período de Pink Floyd, Wright también era la primera voz en temas como <i>¡Mathilda Mother!</i>, y obviamente sus teclados tenían un protagonismo absoluto en largos temas como <i>Instertellar Overdrive</i>.<br />
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La historia oficial asegura que Syd Barrett fue alejado del grupo por sus excesos con las drogas psicodélicas, más precisamente el LSD 25, que ingería casi a diario, igual que la mitad de los músicos del pintoresco Swingin’ London. La historia no oficial, contada a regañadientes dado el éxito posterior de sus colegas, habla de celos, divismos y una pequeña traición hacia el líder que todo lo abarcaba en el grupo. A Wright fue uno de los que más les pesó esa primera separación, de ahí que se ocupara luego con el guitarrista David Gilmour de producir los dos memorables discos solistas de su ex compañero, «The Madcap Laughs» y «Barrett», en los que se puede escuchar su inconfundible estilo de órgano.<br />
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En la transición entre el período Barrett y «The Dark Side of the Moon» (1973), fue Wright el que compuso algunos de los singles de la banda como <i>It Would Be So Nice</i> y <i>Paintbox</i>, y dos de los mejores temas del segundo disco, «A Saucerful of Secrets» (extenso tema que termina con un largo pasaje del órgano de Wright). Cuando Antonioni llamó a Floyd para componer temas para el soundtrack del film <i>Zabriskie Point</i>, fue Wright el que se puso a trabajar en la música original, en vez de refritar temas previos de la banda. Uno de sus temas era una melodía en piano que se convirtió en la base del supervendedor «The Dark Side...»<br />
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Por eso, la sola idea de que a alguien se le pudiera ocurrir despedir del grupo al tecladista parecía un delirio. Sin embargo, eso ocurrió durante la dictadura de Waters que vino después de «Wish you were here». En el siguiente y algo depresivo disco «Animals» –tal vez último bastión del auténtico sonido Floyd–, la influencia de Waters se volvió difícil de digerir para Wright, que a continuación decidió cortarse solo y grabar un álbum por su cuenta, «Wet Dreams» (1978), un puñado de canciones melancólicas donde recriminaba a Waters mientras demostraba de dónde provenían las armonías escuchadas en «The Dark Side....»<br />
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<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgF-2iYY5IfwoaCyrUNg2BQnI4AfUB950oJSCxlzDyH8oXBPIu8s1HlYhKh3QYcQWTz5sM-icGoJkVTq-4vPjzv8F1wMHOBD30luKnAPY7IMd14Vb1tjil3JNpKBWi6x6QHvZ1-sxQEZw4/s1600/Pink+FLoyd+015.jpeg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgF-2iYY5IfwoaCyrUNg2BQnI4AfUB950oJSCxlzDyH8oXBPIu8s1HlYhKh3QYcQWTz5sM-icGoJkVTq-4vPjzv8F1wMHOBD30luKnAPY7IMd14Vb1tjil3JNpKBWi6x6QHvZ1-sxQEZw4/s1600/Pink+FLoyd+015.jpeg" height="207" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">2 de julio de 2005. Pink Floyd se reúne por última<br />vez para el concierto del Live 8 en Londres.</td></tr>
</tbody></table>
El insulto no fue tolerado: Waters aseguró que no entregaría las cintas de «The Wall» si no se rebajaba a Wright a la categoría de simple músico acompañante, es decir ya no un miembro calificado de Pink Floyd. El tecladista fue separado de la banda, y luego llamado a último minuto para el tour de The Wall, en el deshonroso puesto de tecladista acompañante, lo que irónicamente convirtió a Rick Wright en el único miembro en ganar buen dinero como asalariado de la gira, que tuvo costos inauditos dada la megalomanía de Waters, y sólo dio pérdidas.<br />
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Para entonces, Wright llamó a Floyd un grupo <i>«sin fuerza creativa»</i> y no quiso tener nada que ver con el álbum «The Final Cut». Fue en ese entonces cuando Waters declaró el fin del grupo, lo que Gilmour y un juez impidieron al demostrar que el nombre Pink Floyd no era de Roger Waters. Wright fue incorporado con honores a los siguientes discos del Floyd sin Waters, quien lo convocó para su «The Wall Tour» con el baterista Nick Mason como invitado, cosa que Wright declinó. Cuando en 2005 Floyd se reunió para tocar dos o tres temas en un megaevento benéfico, hacía dos décadas que Wright y Waters no se hablaban. Tampoco lo hicieron en el escenario, apenas un conato de abrazo, con el tecladista y el bajista no demasiado juntitos.<br />
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Richard Wright falleció hace seis años, el 15 de septiembre de 2008. Sin él, la idea de una reunión de Pink Floyd es imposible. Definitivamente lejos de Waters, uno de los más grandes tecladistas de toda la historia del rock está allá en el cielo, con Syd Barrett, brillando como el diamante que supo ser en vida.<br />
Anonymoushttp://www.blogger.com/profile/06991016512325283029noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-1201840538304200607.post-85998117639009143152014-08-27T09:39:00.000-07:002014-08-27T09:40:48.640-07:00Los locos de la terraza: 94 años del nacimiento de la radio argentina<br />
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<i>“Una audición llovida del cielo. Parsifal a precios popularísimos"</i>, tituló el diario La Razón aquel 28 de agosto de 1920. Era una crónica firmada por el crítico de música Miguel Mastrogiani que informaba así de un hecho inédito no sólo en nuestro país sino también en el mundo: la realización de la primera transmisión radial, desde el teatro Coliseo cuando, en directo, se emitió la ópera <i>Parfisal</i>, de Wagner, con dirección de Félix Weingartner y la interpretación de la soprano argentina Sara César y el barítono Aldo Rossi Morelli. <i>“Anoche una onda sonora onduló vermicular, de las 21 a las 24, por el espacio, como cubriendo con su sutil celaje de armonías -las más caprichosas, ricas, grávidas de nobles emociones-, la ciudad entera"</i>, escribió, poético, Mastrogiani.<br />
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<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi5U6FshcEMs8bvZlreRkG1cfBn5fvhTefMEXjXdGwDcJl-4tlbfwGHPBuiWs04jIct9N_dJmmgX6nkm__Pl5d3-CaMwCGBv2sUzxKPFjm23LrpCjz9Pc-uByWuseh44WSUCFPt4xtCRoA/s1600/Enrique+Susini+002.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi5U6FshcEMs8bvZlreRkG1cfBn5fvhTefMEXjXdGwDcJl-4tlbfwGHPBuiWs04jIct9N_dJmmgX6nkm__Pl5d3-CaMwCGBv2sUzxKPFjm23LrpCjz9Pc-uByWuseh44WSUCFPt4xtCRoA/s1600/Enrique+Susini+002.jpg" height="224" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Enrique Susini, Miguel Mujica, César Guerrico<br />
y Luis Carranza. Los "locos de la azotea".</td></tr>
</tbody></table>
El responsable de la transmisión fue el médico Enrique Telémaco Susini, un radioaficionado que un año antes había estado en Francia, interesado por los equipos transmisores utilizados por el ejército francés para las comunicaciones entre los frentes durante la Primera Guerra Mundial. De ese material, Susini trajo a Buenos Aires algunas válvulas Pathé, con las que armó un precario pero eficiente equipo. Junto a sus tres amigos -César Guerrico, Luis Romero Carranza y Miguel Mujica, a quienes luego se los llamó <i>"Los locos de la terraza"</i>- fueron los responsables de la primera transmisión radial del mundo. Aquel 27 de agosto de 1920, entre las 21 y la medianoche, nació la maravillosa historia de la radio.<br />
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“<i>Señoras y señores: la sociedad Radio Argentina les presenta hoy el festival sacro de Ricardo Wagner, Parsifal, con la actuación del tenor Maestri, la soprano argentina Sara César, todos bajo la dirección de Félix Von Weingarten, secundado por el coro y orquesta del teatro Constanzi de Roma”</i>, dijo por aquel entonces Susini y marcaba un hito en la historia de la radiofonía mundial.<br />
<br />
Aquella noche, pocos minutos después de las nueve, unas cincuenta personas -además de los tripulantes de un barco anclado en el puerto de Santos, en Brasil- escucharon <i>Parsifal </i>en las pocas radios de galena que existían. El presidente Hipólito Yrigoyen comentó: <i>“Cuando los jóvenes juegan a la ciencia es porque tienen el genio adentro”</i>.<br />
<br />
La emisión de <i>Parsifal </i>fue una de las tantas transmisiones radiales que por ese entonces se realizaban en forma experimental tanto en la Argentina como en otras partes del mundo. Sin embargo, se la puede calificar de “la primera" en el sentido de que se trató de la transmisión de una obra artística completa e inauguró la regularidad y sistematización en el servicio. Ninguna de las dos condiciones se habían producido todavía. Recién el 2 de noviembre de 1920 se emitió en los Estados Unidos el primer programa de radio, que difundió desde Pittsburg los resultados de las elecciones presidenciales.<br />
<br />
Enrique Susini y sus tres amigos eran verdaderos personajes. Un mes después de la primera transmisión, y finalizadas las funciones del teatro Coliseo, realizaron emisiones especiales en las que, además de ser el speaker, Susini cantaba en castellano, francés, alemán, italiano y ruso. Para disimular un elenco tan reducido, se cambiaba de nombre para cada idioma.<br />
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Un año después de aquella noche de <i>Parsifal</i>, Radio Argentina ya transmitía regularmente desde varios teatros de la ciudad. El 12 de octubre 1922 se realizó la primera emisión radiofónica de la asunción de un presidente argentino: Marcelo Torcuato de Alvear. La Radio Argentina de Susini también fue pionera en otros aspectos: fue la primera en propalar un noticiario, formar un equipo de locutores y ser inscripta como empresa en un registro internacional, al obtener la primer patente de marca en su tipo anotada y reconocida por la UIT en todo el mundo. En 1922, la antena se trasladó a la terraza de la casa de remates de Guerrico y Williams, en Carlos Pellegrini al 1000.Anonymoushttp://www.blogger.com/profile/06991016512325283029noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-1201840538304200607.post-26931748900303741712014-08-27T09:22:00.000-07:002014-08-27T09:22:43.674-07:00Haciendo la radio<br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjBhmYnX3aA54fL-KZgNRTaUQZcUnGxA34KhPeDHYHvWlZeLw8Nx3R0Cf5A1EkZg4cK0u7_yvDpyoD9EwMs85ZRqAFRauAwxZ10f1RoBq_l9EKSeC84FnVK5xaddwcGK-1YEAVN_d_tlkM/s1600/Radio+002.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjBhmYnX3aA54fL-KZgNRTaUQZcUnGxA34KhPeDHYHvWlZeLw8Nx3R0Cf5A1EkZg4cK0u7_yvDpyoD9EwMs85ZRqAFRauAwxZ10f1RoBq_l9EKSeC84FnVK5xaddwcGK-1YEAVN_d_tlkM/s1600/Radio+002.jpg" height="214" width="320" /></a></div>
Radio (definición esencial): frecuencia basada en una antena, un receptor y una batería infinita de sonidos. Ahora bien, tanta economía de palabras (y medios) podría llegar a ser confundida con la presunta pobreza del medio en sí, sobre todo en estos tiempos que vivimos, signados de sofisticación tecnológica. Por lo demás, el reinado inacabable de la televisión y la prensa gráfica, parece relegar el perfil de esa cajita misteriosa que se nos hace desprovista de identidad propia.<br />
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Pero la fuerza de la radio no se palpa sólo a través de frías mediciones. Quienes conducen (o, como en mi caso, han conducido) un programa radial, preferimos –ante todo– la prueba de amor de las cartas o los llamados telefónicos en el acto. Sin ellos, nos sentimos perdidos, porque el nuestro es el producto más desestructurado de todos: se termina de armar en la cabeza y en el corazón de los oyentes. Este componente emocional es propio de esa radio que se comporta como nuestra pareja: con ella nos levantamos, nos bañamos, tomamos el desayuno, viajamos, almorzamos y, naturalmente, nos acostamos.<br />
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La radio también ha sido señal de complicidad y fuerza de ánimo, en los años de miedo y mordaza, cuando bastaba girar el dial bien al costado y escuchar, desde Colonia, la verdad que aquí se nos negaba. Y, sobre todo, la radio es esa voz que nos nutre de sueños y esperanza, aún en los momentos más oscuros y desolados de la noche, cuando gracias a la radio, los oyentes se sienten menos solos a la madrugada.<br />
<br />
Desde fines de la década del ’80 para acá, la radio se extendió todavía más gracias a la aparición de cientos y cientos de estaciones de frecuencia modulada de baja potencia, también conocidas como “libres”, “comunitarias”, “alternativas” o “truchas”, dependiendo cada definición del color del cristal con que se las mira. Sumadas todas, ocupan un buen porcentaje de la audiencia total, muchas veces más alto de lo que los medios “grandes” (o sea los monopolios de la comunicación) nos quieren hacer creer.<br />
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<b><i>Pero al final… ¿qué somos?</i></b><br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgmtgD-AlGmY9fbzaKgUt4vPj7t2tG9yzWjGmuNcO_p7GDmrW82GUCPdLfHnDq4KNOjbsPHUnIU66n2IKOFrSXYk96p1a6xbsoB60MfYSNonRgcfEq0lDy6gMiUit2UzzgDN3Li9iG7rKU/s1600/Radio+009_La+Tribu.JPG" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgmtgD-AlGmY9fbzaKgUt4vPj7t2tG9yzWjGmuNcO_p7GDmrW82GUCPdLfHnDq4KNOjbsPHUnIU66n2IKOFrSXYk96p1a6xbsoB60MfYSNonRgcfEq0lDy6gMiUit2UzzgDN3Li9iG7rKU/s1600/Radio+009_La+Tribu.JPG" height="240" width="320" /></a></div>
La experiencia de las radios comunitarias arranca en América Latina a mediados de los años ’70, impulsada en la mayoría de los casos por comunidades de la Iglesia Católica de algunos países que supieron ver en este medio una herramienta importante en la lucha por la liberación de los pueblos. Perú, Bolivia, El Salvador y, sobre todo, Brasil, fueron los primeros en sostener esta iniciativa que pronto se extendió por el resto del continente.<br />
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En nuestro país, el auge de las radios de baja potencia se dio, como ya dije, a fines de los años ’80. Así, entre 1988 y 1992, las FM se instalaron a lo largo y ancho del país y, sin ser absolutamente conscientes de ello, comenzaron a sacudir los cimientos de los poderosos medios radiales, únicos y privilegiados dueños del espectro radial y de las posibilidades de explotación económica que el mismo ofrecía.<br />
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Con la llegada de las FM, los micrófonos y el “aire”, comenzaron a ser ocupados por voces desconocidas, dueñas de un lenguaje diferente y, en muchísimos casos, verdaderamente alternativo. Vecinos que salían al aire para dar a conocer los problemas de su comunidad, grupos que trabajaban en lo social y político sin otra intención que la de ayudar a sus semejantes y –por lo mismo– alejados del poder (económico y del otro), miembros de diversas etnias, hombres, mujeres, jóvenes… Aquellos que nunca eran tenidos en cuenta por las noticias se encontraban –de pronto– frente a la posibilidad de generar ellos mismos la comunicación y de poder hacerlo desde otra perspectiva.<br />
<br />
Estas radios eran libres porque no respondían al dictado de nadie, a ningún poder; estas radios eran comunitarias porque reflejaban los sentimientos, las luchas, las aspiraciones y los sueños de una comunidad; finalmente, eran alternativas porque los espacios comunicacionales estaban puestos al servicio de la gente, la producción de los programas se presentaban como una opción a los formatos conocidos y, del mismo modo, el “manejo” del medio era encarado desde una perspectiva distinta, no mercantilista: autogestión, cooperativas, etc.<br />
<br />
Pero el gran cambio estaba dado en que los “actores” de las noticias, los generadores de la información, eran otros: los que hasta entonces habían sido sistemáticamente ignorados o silenciados. Las radios alternativas pusieron el manejo de la información en manos del pueblo. Esto era algo peligroso para los grupos de poder que no demoraron en denostar al nuevo fenómeno, endilgándole un nombre que prendió en buena parte de la sociedad. Para ellos, las radios alternativas no eran otra cosa que radios “truchas”.<br />
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<b><i>Ascenso, caída… y vuelta a empezar</i></b><br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEikseucO0Q3OVf4anKvAhn_TW4sMlPuuoYbx_Tzc4-TKJVHf0SMdBXX_Kv2Pu1L7OVFW7FKiFI8tfqfsGJ0DHN3SfihBx92xGYRieGI2XshYl9o3bqSEKe8_2_xFknlWmmub6DhmqVTF1Q/s1600/Radio+On+line+002.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEikseucO0Q3OVf4anKvAhn_TW4sMlPuuoYbx_Tzc4-TKJVHf0SMdBXX_Kv2Pu1L7OVFW7FKiFI8tfqfsGJ0DHN3SfihBx92xGYRieGI2XshYl9o3bqSEKe8_2_xFknlWmmub6DhmqVTF1Q/s1600/Radio+On+line+002.jpg" height="255" width="320" /></a></div>
Hoy, lamentablemente, la situación ha variado de manera sustancial. Para empezar, no fueron pocas las radios de baja potencia que han desaparecido, y no es menor la responsabilidad que le cabe a los continuos vaivenes económicos que venimos soportando desde hace tantos años. Pero no podemos ser tan miopes y echarle la culpa sólo a la situación económica.<br />
<br />
Muchas de las radios de baja potencia han perdido el rumbo desde hace un tiempo largo. Y quiero mencionar algunos puntos que han tenido que ver con la debacle:<br />
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- El renunciar a lo “alternativo”. Muchas radios de baja potencia comenzaron a copiar los formatos de las radios grandes con la errónea idea de que eso les llevaría a conseguir más publicidad. Muchos adhirieron a la vieja idea de que <i>“las FM están para pasar música”</i> y renunciaron a lo más distintivo, aquello que sostenía el vínculo entre el medio y los oyentes.<br />
<br />
- El abandonar lo “comunitario”. La brújula ya no marca el norte de la sociedad. Muchas veces, los problemas de la comunidad quedan relegados o, lo que es peor, no son informados para no indisponerse con los hombres que representan el poder en cada localidad. No es un secreto que la vida económica de muchas radios de baja potencia está atada al dinero que le puedan bajar desde un municipio, gobernación o partido político. Dinero que llega –en algunos casos– no como “publicidad oficial” sino como mordaza para comprar silencio. Demás está aclarar que ya no puede hablarse de radios “libres”.<br />
<br />
- La necesidad de conseguir dinero para sostener la radio llevó a que se vendieran espacios sin importar ni la calidad de los programas que se ofrecen ni la idea de comunicación que tienen los que están al frente de ellos.<br />
<br />
- Personas que teniendo la posibilidad económica de instalar una FM de baja potencia, lo hacían sólo con un interés mercantilista. Para estos señores, la radio no era más que un negocio, una posibilidad cierta de hacer plata, a través de la comercialización de publicidad o la venta indiscriminada de espacios.<br />
<br />
- Dueños o directores de radio que no tienen la más mínima idea de qué significan las palabras “medio de comunicación” y “servicio”.<br />
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Pero el panorama no es completamente negro. Muchas radios de baja potencia siguen bregando por no arriar las banderas que supieron levantar años atrás y la aparición de las radios "on line" le han dado un nuevo impulso al medio así como también permiten la aparición de nuevas voces . Si bien es cierto que “el camino es árido y desalienta”, no lo es menos que “se hace camino al andar”.<br />
<br />
<b><i>El País de la Radio</i></b><br />
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<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj1O7aH0OPQWxx-xoY6DzhOi2F38Mq2CuGIkfeUVf-VOwmcbP3sQ9rDqQDeU6OBwvsof-0GmjLH0aWwGc8f2TDCBx4tT4XFQXe7NwZkuDsnpJ07fjXMm-bVWr6CENBafsllgmhPxxltqiI/s1600/Hugo+Guerrero+Marthineitz+y+Badia+01.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj1O7aH0OPQWxx-xoY6DzhOi2F38Mq2CuGIkfeUVf-VOwmcbP3sQ9rDqQDeU6OBwvsof-0GmjLH0aWwGc8f2TDCBx4tT4XFQXe7NwZkuDsnpJ07fjXMm-bVWr6CENBafsllgmhPxxltqiI/s1600/Hugo+Guerrero+Marthineitz+y+Badia+01.jpg" height="230" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Hugo Guerrero Marthineitz y Juan Alberto Badía.<br />A ellos les debo mi amor por hacer (y escuchar) radio</td></tr>
</tbody></table>
La multiplicación de frecuencias y programas –en los que las denuncias telefónicas, los saluditos y el pedido de temas musicales se cruzan en alegre ensalada– no siempre se traduce en una comunicación verdaderamente igualitaria, aquella donde los mensajes funcionan tanto de ida como de vuelta. La sola mención de la palabra oyente, por caso, remite a una actitud pasiva, meramente receptora.<br />
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En su Teoría de la Radio, Bertolt Brecht anticipó la posibilidad de que la radio se convirtiera en <i>“el más fabuloso aparato de comunicación imaginable en la vida pública”</i>, solo que <i>“ese sistema fantástico de canalización lo sería realmente si supiera en el futuro no solamente transmitir sino también recibir. Por tanto, no sólo oír a quien está escuchando sino también hacerlo hablar, darle lugar y no aislarlo”</i>.<br />
<br />
Ese fantástico actor norteamericano llamado Sam Shepard contó alguna vez: <i>“Conocí a un guitarrista que decía que la radio era su ‘amiga’. Se sentía emparentado con la música como con la voz de la radio. Su carácter sintético. Su capacidad para transmitir la ilusión de personas a grandes distancias. Dormía con la radio. Creía en un Lejano País de la Radio. Creía que jamás encontraría ese país, de modo que se conformaba con limitarse a escucharlo. Creía que había sido expulsado del País de la Radio y estaba condenado a rondar eternamente por las ondas, buscando una emisora mágica que le devolviera la herencia perdida”</i>.<br />
<br />
Aquel futuro al que aludía Brecht ha llegado aquí con sus carencias y sus haberes. Lejos de récords y manías de grandeza, la radio de ayer y de siempre “ataca” más desde su condición de confiable y fiel compañera de camino que desde los oficios del rating o la vanguardia tecnológica.<br />
Anonymoushttp://www.blogger.com/profile/06991016512325283029noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-1201840538304200607.post-68000742916534847692014-08-26T09:41:00.001-07:002014-08-26T09:42:24.794-07:00Cortazar, cien años...Un texto de Julio Cortázar, de quien se cumplen, hoy, 100 años de su nacimiento.<br />
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<span style="font-size: large;"><b>Progreso era el de antes</b></span><br />
Por Julio Cortázar<br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEidu31jILMdfM4ub104OiI3aemicrqEo6js7xhKzXeWeDqoW-eAS2TKsqzjjJfa2K86kb3Av7Gh8el7lX7jxQoaafxTqDE8WbvA-rGXwVUFO60WF6RhqnISDOjAOYxeAqBajjDZhLEUK2c/s1600/Julio+Cortazar+001.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEidu31jILMdfM4ub104OiI3aemicrqEo6js7xhKzXeWeDqoW-eAS2TKsqzjjJfa2K86kb3Av7Gh8el7lX7jxQoaafxTqDE8WbvA-rGXwVUFO60WF6RhqnISDOjAOYxeAqBajjDZhLEUK2c/s1600/Julio+Cortazar+001.jpg" height="214" width="320" /></a></div>
Los niños son por naturaleza desagradecidos, cosa comprensible puesto que no hacen más que imitar a sus amantes padres, así los de ahora vuelven de la escuela, aprietan un botón y se sientan a ver el teledrama del día, sin ocurrírseles pensar un solo instante en esa maravilla tecnológica que representa la televisión. Por eso será inútil insistir ante los párvulos en la historia del progreso científico, aprovechando la primera ocasión favorable, digamos el paso de un estrepitoso avión a reacción, a fin de mostrar a los jóvenes los admirables resultados del esfuerzo humano.<br />
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El ejemplo del “Jet” es una de las mejores pruebas. Cualquiera sabe, aun sin haber viajado en ellos, lo que representan los aviones modernos: velocidad, silencio en la cabina, estabilidad, radio de acción. Pero la ciencia es por antonomasia una búsqueda sin término, y los “Jets” no han tardado en quedar atrás, superados por nuevas y más portentosas muestras del ingenio humano. Con todos sus adelantos esos aviones tenían numerosas desventajas, hasta el día en que fueron sustituidos por los aviones de hélice. Esta conquista representó un importante progreso, pues al volar a poca velocidad y altura el piloto tenía mayores posibilidades de fijar el rumbo y de efectuar en buenas condiciones de seguridad las maniobras de despegue y aterrizaje. No obstante, los técnicos siguieron trabajando en busca de medios de comunicación aun más aventajados, y así dieron a conocer con breve intervalo dos descubrimientos capitales: nos referimos a los barcos de vapor y al ferrocarril. Por primera vez, y gracias a ellos, se logró la conquista extraordinaria de viajar al nivel del suelo, con el inapreciable margen de seguridad que ello representaba.<br />
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Sigamos paralelamente la evolución de estas técnicas, comenzando por la navegación marítima. El peligro de los incendios, tan frecuente en alta mar, incitó a los ingenieros a encontrar un sistema más seguro: así fueron naciendo la navegación a vela y más tarde (aunque la cronología no es segura) el remo como el medio más aventajado para propulsar las naves. Este progreso era considerable, pero los naufragios se repetían de tiempo en tiempo por razones diversas, hasta que los adelantos técnicos proporcionaron un método seguro y perfeccionado para desplazarse en el agua. Nos referimos por supuesto a la natación, más allá de la cual no parece haber progreso posible, aunque desde luego la ciencia es pródiga en sorpresas.<br />
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Por lo que toca a los ferrocarriles, sus ventajas eran notorias con relación a los aviones, pero a su turno fueron superados por las diligencias, vehículos que no contaminaban el aire con el humo del petróleo o el carbón, y que permitían admirar las bellezas del paisaje y el vigor de los caballos de tiro. La bicicleta, medio de transporte altamente científico, se sitúa históricamente entre la diligencia y el ferrocarril, sin que pueda definirse exactamente el momento de su aparición. Se sabe en cambio, y ello constituye el último eslabón del progreso, que la incomodidad innegable de las diligencias aguzó el ingenio humano a tal punto que no tardó en inventarse un medio de viaje incomparable, el de andar a pie.<br />
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Peatones y nadadores constituyen así el coronamiento de la pirámide científica, como cabe comprobar en cualquier playa cuando se ve a los paseantes del malecón que a su vez observan complacidos las evoluciones de los bañistas. Quizá sea por eso que hay tanta gente en las playas, puesto que los progresos de la técnica, aunque ignorados por muchos niños, terminan siendo aclamados por la humanidad entera, sobre todo en época de las vacaciones pagas.Anonymoushttp://www.blogger.com/profile/06991016512325283029noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-1201840538304200607.post-9560536176570634612014-08-19T16:13:00.000-07:002014-08-19T16:13:04.463-07:00Woodstock: Aquellas tribus<br />
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«Una reunión de las tribus». Ese fue el secreto imán de los festivales que proliferaron hasta 1972. No se acudía a ellos por la música, sino buscando un espíritu comunitario, la embriagadora sensación de ser multitud unida en el rechazo al resto de la sociedad y paladear una vida diferente.<br />
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Antes de Woodstock hubo otras reuniones: Monterrey, Newport, Miami, Atlanta, Atlantic City. Pero fue ese festival -celebrado realmente en Bethel, otro pueblo del estado de New York- el que creó el mito y el modelo. Desbordando las previsiones de sus organizadores, aguantando todo tipo de incomodidades, convergieron en Woodstock 400 mil personas durante los días 15, 16 y 17 de agosto de 1969.<br />
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Woodstock fue Janis Joplin y Jimmy Hendrix y el soberbio Roger Daltrey de The Who. Woodstock fue Joe Mc Donald y Dirty Sly and the Family Stone fumándose con otras cientos de miles de personas. Woodstock fue Joe Cocker, con el cuerpo doblado como un espantajo pero cantando como Ray Charles. Woodstock también fue Joan Baez, esposa de un antimilitarista que no se cansaba de predicar la no-violencia. Woodstock fue lluvia y barro, soldados disfrazados y policías que dejaban las pistolas y se ponían a preparar salchichas para unos hippies hambrientos.<br />
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Todos dicen que Woodstock fue maravilloso, aunque la mayoría tuvo que enterarse de lo que pasó allí gracias a los discos y el documental posteriores. Para entonces, todos los presentes ya sabían que habían hecho historia: los medios de comunicación se desconcertaron ante aquel espectáculo y respetados comentaristas intentaron explicar qué había ocurrido en América para que sus hijos aplaudieran a rabiar a Joni Mitchell cuando la cantante gritó: <i>«Somos polvo de estrellas, somos de oro y tenemos que lograr regresar al jardín.»</i><br />
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En Vietnam se mataban y en París quedaba el rescoldo de las hogueras de mayo que proclamaban «La imaginación al poder», y entonces en el campo de Woodstock se cantaron las dos palabras definitivas: Amor y Paz. De pronto y por tres eternos días destinados a los manuales de historia, ese vasto y embarrado campo germinó con extrañas semillas: piedras de collares cortados, pelo hasta la cintura y dedos en V, restos de grass, huellas de amor hecho al aire libre, ropas del Oriente y minúsculos anteojos negros y azules. <i>«Sí, fueron tres extraordinarios días de lluvia y de música.</i> - Comentó una vez Joan Baez. - <i>No creo que haya sido una revolución. Más bien fue un reflejo de los años sesenta. Con mucho color y mucho barro.»</i><br />
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Los festivales permitieron escapar a la rutina diaria y -aunque sea brevemente- sentirse parte de un movimiento alternativo. Woodstock quedó entronizado como una visión de la nueva sociedad, pero su paradisíaca concepción se hizo añicos sólo un par de años después: el otoño del sueño hippy y la antipatía de las autoridades dieron el portazo a uno de los movimientos contraculturales más importantes de este siglo.<br />
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Es difícil que haya otro Woodstock, aunque vale la pena el recuerdo. Porque, con todo su barro y toda su gloria, pertenece a los años sesenta. Aquella época escandalosa, añorada, exaltada, trágica, loca, de barbas y collares, que se fue para no volver.<br />
Anonymoushttp://www.blogger.com/profile/06991016512325283029noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-1201840538304200607.post-6607370484250021392014-08-11T23:47:00.000-07:002014-08-11T23:47:06.346-07:00Adiós a un grande...<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
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